Isabel Coixet

Isabel Coixet

Isabel Coixet Nació en San Adrián de Besós el 9 de abril de 1960. es Licenciada en Historia Contemporánea y directora, productora y guionista cinematográfica. Su más reciente película, "La vida secreta de las palabras" consiguió el Goya de 2006 en las categorías de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Diseño de Producción, el Sant Jordi y el Fotogramas de Plata, entre otros muchos premios. Coixet ha sido además fundadora y directora creativa de la agencia Target y de la productora Eddie Saeta, obteniendo los más prestigiosos premios por sus trabajos en publicidad. En el año 2000 crea la productora Miss Wasabi Films, desde donde ha producido destacados videoclips y documentales. En la dirección de teatro, Isabel Coixet ha debutado con 84 Charing Cross Road, basada en una obra de la estadounidense Helene Hannf.

En el año 2000 creó la productora Miss Wasabi Films desde donde también ha realizado destacados documentales -y vídeos  a los más variados músicos (desde Sexy Sadie hasta Alejandro Sanz). 

En 2005 realiza La vida secreta de las palabras cuyos protagonistas son Tim Robbins y Sarah Polley.

Isabel ha contado con Penélope Cruz para el papel protagonista de su película Elegy, estrenada en 2008, y basada en una novela de Philip Roth.

A principios de 2009, Isabel Coixet acabó el rodaje de Mapa de los sonidos de Tokio estrenada el 28 de agosto, protagonizada por Rinko Kikuchi y Sergi López, y producida por Mediapro. Según Coixet, ella se siente "muy cercana al mundo y a la cultura japonesa"

Ha sido nominada a varios premios en distintos y prestigiosos festivales de cine y su película "La vida secreta de las palabras" obtuvo cuatro premios Goya, entre ellos, mejor dirección y mejor película.

Filmes de Coixet en Cinearte:

"La vida secreta de las palabras"

Kim Ki-duc

Kim Ki-duc

“Hoy en día hablamos demasiado. Se pronuncian demasiadas palabras, demasiadas promesas incumplidas que destruyen nuestra belleza interior. El silencio preserva esa belleza, la mantiene pura.”  Kim Ki-duk

Autor de una docena de obras a veces altamente experimentales, es distintivo el ritmo pausado de su cine, el fuerte contenido visual muchas veces cruento, el parsimonioso uso del diálogo y el énfasis en elementos criminales o marginales de la sociedad. Este último refleja la posición de Kim dentro de la sociedad surcoreana en general, y el ámbito fílmico en particular.

Kim nació el 20 de diciembre de 1960 en Bonghwa, en la provincia de Gyengsang del Norte, en el seno de una familia rural. Trasladados a Seúl cuando tenía 9 años, se educó para trabajar en agricultura, pero abandonó su formación para trabajar como obrero fabril a los 17 años. Se alistó en la infantería de marina del ejército surcoreano a los 20 años, y prestó servicio como suboficial hasta los 25; a su baja, se dedicó a la pintura —una afición desde niño—, ganándose la vida como acólito en un templo budista.

De acuerdo a Kim, fue en París donde acudió por primera vez al cine; entre las primeras películas que vio se contaron El silencio de los inocentes, de Jonathan Demme, y Los amantes del Pont Neuf, de Leos Carax, que le causaron ambas una gran impresión. De regreso en su país natal, su recién descubierta afición le llevó a presentarse a varios concursos de guión; en 1993 obtuvo el premio mayor del Instituto Nacional del Guión de Corea del Sur por Un pintor y un criminal condenado a muerte. En 1994 logró la tercera plaza del concurso organizado por el Concejo Coreano de Cine (KOFIC) con Doble exposición, y al año siguiente el premio mayor del KOFIC por Cruce imprudente. Aunque ninguno de estos guiones llegó a rodarse, su éxito le permitió obtener un contrato con Joyoung Films para rodar Cocodrilo (악어, Ag-o), la brutal historia de un grupo de personas sin hogar que viven bajo un puente sobreviviendo a fuerza de astucia y violencia. Ag-o anticipó la conjunción de fotografía delicada y trama brutal que caracterizaría a la obra subsiguiente de Kim; obtuvo poco éxito con la prensa local, pero consiguió una plaza en el Festival Internacional de Cine de Pusan, donde se proyectó en la sección Panorama Coreano.

El festival de Pusan sería uno de los principales puntos de exhibición de Kim en los años siguientes. Su primer guión se transformó en Animales salvajes (야생동물 보호구역, Yasaeng dongmul bohoguyeog), rodada en 1996 en las calles de París, que se exhibió en el Festival Internacional de Vancouver. En 1998 La puerta azul (파란대문, Paran daemun) se elaboró sobre otro guión premiado por KOFIC y tuvo más exposición internacional, proyectándose en la Berlinale y en el Festival de Cine de Karlovy Vary; un cambio rotundo en el estilo fílmico de su autor, es un híbrido entre melodrama adolescente y denuncia social, ambientado en una pequeña ciudad portuaria donde una joven prostituta es el único sustento de la familia que mantiene el pequeño hostal donde lleva a sus clientes. La relación agridulce entre la hija de la familia empobrecida y la prostituta es uno de los puntos centrales del film, evocado luego en otras obras del autor.

En 2000 rodaría dos películas: la muy experimental Ficción verdadera (실제상황, Siljae Sanghwang), rodada en apenas 200 minutos y montada en tiempo real, acerca de un artista callejero, su ex novia, y otros personajes que atraviesan la plaza en la que éste ofrece sus obras durante la hora larga que dura el film, y la obra que le representaría el salto a la fama crítica internacional: La isla (섬, Seom). Una morosa narración de la relación entre un fugitivo de la ley y la propietaria de un centro de pesca, en la que los inquilinos habitan tiendas flotantes en el lago. La isla se hizo notoria entre otras cosas por la crudeza de algunas de sus escenas, que llevaron al desmayo de un crítico en su premiere en el Festival Internacional de Cine de Venecia. La presencia de una prostituta, una figura recurrente en la filmografía de Kim, atrajo la ira del público coreano, y la violencia de algunas de las escenas provocó reacciones de desagrado, pero la obra estableció firmemente a su autor como una presencia significativa, y se proyectó en una docena de festivales en todo el mundo. Domicilio desconocido (수취인불명) abrió el festival de Venecia al año siguiente, y Mala gente (나쁜 남자) —una nueva incursión en el mundo de la prostitución forzada y la violencia como vínculo amoroso— fue su primer éxito de taquilla, entre otras razones gracias a la presencia de Jo Jae-hyeon en el papel principal.

Su siguiente película, El guardacostas (Hae anseon) contó con la presencia de una estrella local, Jang Dong-kun, pero resultó menos efectiva que las anteriores. En el 2003 Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera (봄여름가을겨울그리고봄, Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom) atrajo nuevamente la atención masiva, sobre todo por la mayor accesibilidad de un film desprovisto por completo de violencia. Con la primera presencia de Kim frente a las cámaras en el papel de un anciano monje budista, sus obsesiones con la violencia, la crueldad y la futilidad cíclica de la vida se desplazan ahora al comentario de las diversas pasiones que atraviesan la vida de una persona. Fue también la primera de sus películas en alcanzar distribución a gran escala fuera de los festivales y, fijó las bases para que las posteriores Samaria (que obtuvo el Oso de Plata al mejor director en Berlín en el 2004) y Hierro 3 (ganadora del premio equivalente en Venecia) aparecieran en el circuito comercial.

Películas de Kim Ki-duk en Cinearte:

"Aliento"

Ettore Scola

Ettore Scola (1931), en el rodaje de
Un día Particular.

Director y guionista italiano nacido el 10 de Mayo de 1931 en Trevico. Estudió Derecho en la Universidad de Jurisprudencia de Roma, aunque nunca practicó seriamente su profesión. Trabajó en la tradición de la comedia italiana de la post-guerra, con películas caracterizadas por temas psicológicos y políticos y fue miembro del Partido Comunista Italiano. Vivió en una casa con una familia muy numerosa, muy similar a la que pintó en su película LA FAMILIA (1987). Desde muy joven colaboró con chistes, ilustraciones y artículos a revistas satíricas, para la radio y para guiones de comedias de algunas estrellas italianas como Alberto Sordi y Totò. Su primer trabajo reconocido como guionista data de 1954, colaborando posteriormente con otros guionistas como Ruggero Maccari, Agenore Incrocci, Furio Scarpelli y Rodolfo Sonego, y para directores como Dino Risi y Antonio Pietrangeli. Su debut como director se produjo con la comedia en episodios LET'S TALK ABOUT WOMEN (1964), en la cual Vittorio Gassman se encuentra con nueve tipos diferentes de mujeres. IL COMMISSARIO PEPE (1969) marca un corrimiento del director hacia temas más sustanciales. Luego se destaca con la popular comedia THE PIZZA TRIANGLE (1970), con Mónica Vitti eligiendo entre Marcello Mastroianni y Giancarlo Giannini. En la película épica agridulce NOS HABÍAMOS AMADO TANTO (1974), sobre tres personajes diferentes muy amigos durante la resistencia pero que luego siguen caminos separados, examina a una generación desilusionada (Pensábamos que podíamos cambiar al mundo, pero el mundo nos cambió a nosotros...). Hacia fines de los 1970s trabajó en una serie de películas muy exitosas, entre las que se encuentran DOWN AND DIRTY (1976); UN DIA MUY PARTICULAR (1977), con Sofía Loren y Marcello Mastroianni); y LA TERRAZA (1980). Uno de sus proyectos más ambiciosos fue LA NOCHE DE VARENNES (1982), examinando la Revolución Francesa, juntando fantasiosamente a figuras como Casanova y Thomas Paine. Con la estilista EL BAILE (1982), pinta los cambios de las costumbres en ocho momentos clave de la historia francesa entre 1936 y 1983, sin una sola línea de diálogo: sólo los cambios de vestidos y uniformes, la música, el baile y los tipos de comportamiento cuentan toda la historia. LA FAMILIA (1987), su película más autobiográfica, relata la vida de una familia numerosa a través de cinco generaciones, cubriendo 70 años de historia europea comenzando en la Primera Guerra Mundial, sin moverse nunca de los límites de la casa, reflejando la familia los cambios de la sociedad a través de los años. Filmografía desde entonces Gente de Roma 2003, Director Gente de Roma 2003, Guionista Competencia desleal 2001, Director Competencia desleal 2001, Guionista La cena 1998, Director La cena 1998, Guionista ¿Qué hora es? 1995, Director Historia de un pobre hombre 1995, Director Mario, Maria y Mario 1994, Director Mario, Maria y Mario 1994, Guionista El viaje del capitán Fracassa 1990, Director Splendor 1989, Director Splendor 1989, Guionista.


Filmes de Scola en Cinearte:
Un día particular
Nos habíamos amado tanto.
Competencia desleal

Ken Russel

Ken Russel, 1927-2011

Henry Kenneth Alfred Russell nació en el año 1927, en la ciudad de Southampton, localizada en la región de Hampshire en Inglaterra.

Ken Russell es un conocido director de cine  famoso por haberse convertido en un ícono de la cultura cinematográfica por sus películas con alto contenido erótico.

Se crió en su ciudad natal y, al llegar el tiempo en que debía asistir a la universidad, se enroló dentro del Walthamstow College para posteriormente transferirse al Pangbourne College.

Tiempo más tarde sirvió en la Royal Air Force y en la Merchant Navy.

Una vez hubo terminado con todo su repertorio militar, decidió lanzarse al mundo de la fotografía, pues deseaba tener tranquilidad después de todo lo vivido. Para su fortuna, sus tomas documentales fueron altamente valoradas.

Su primer filme se remonta al año 1962, trabajando con el respaldo de la BBC de Londres, y llevó el título de “Elgar”. Este documental dramático, acerca de la vida del compositor Edward Elgar, fue una de las primeras muestras de su pasión por realizar producciones relacionadas con la música.

En 1970 lanzó al público “Women in Love” (Mujeres Enamoradas) y con ella rompió el tabú del cine por el cual no se mostraba la desnudez completa del hombre en un plano frontal.

La misma fue la tercera película más taquillera del año en todo el Reino Unido.

A esta joya del cine le siguieron muchas otras producciones con temáticas adultas, las cuales fueron enormemente exitosas y, al mismo tiempo, terriblemente controversiales.

Fue por este tiempo que lanzó “The Devils” (Los Demonios), un filme tan duro que la Warner Brothers aún se niega a lanzar sin ser cortada.

Ya para 1986 trabajó con Gabriel Byrne como protagonista de su película “Gothic” (Gótica). La misma muestra un punto de vista bastante mórbido acerca de la escritura de una novela de terror, llevada a cabo por el personaje de Byrne, Lord Byron.

Dos años más tarde, utilizó a Hugh Grant para llevar a la pantalla grande “The Lair of the White Worm” (La Cueva de la Serpiente Blanca), una adaptación de la novela original de Bram Stoker, el autor de "Drácula".

Ya en la década del 90, se dio el lujo de volver a sus controversiales producciones, presentando esta vez “Whore” (Puta).

La protagonista, una prostituta de Los Angeles, narra su historia de vida y los terribles sucesos que puede tener esta profesión.

En el nuevo milenio se alejó totalmente de las pantallas desde el 2002, luego del poco fortuito estreno de “The Fall of the Louse of Usher” (La Caída de la casa Usher).

Recién en el 2007 apareció para internarse dentro de la casa de “Gran Hermano” en Inglaterra.

Fallece en noviembre del 2011.

Película de Russel en Cinearte:

Mujeres enamoradas

Mike Leigh

Nació en 1943

Mike Leigh es un director y guionista británico. Estudió en la Royal Academic of Dramatic Art, la Camberwell School of Art, en la Central School of Art and Design, y la London International Film School, antes de debutar a finales de los años 60 como director representando y rodando dramas y comedias sociales  en la televisión.

Su inicio en la gran pantalla se produjo con “Bleak Moments” (1972), en donde ejemplificó su usual temática cinematográfica, eminentemente social y urbana con afán de testimonio y sátira, centrando la acción, por lo general, en las vicisitudes reales de familias británicas comunes.

Suele improvisar los guiones con sus propios actores en los rodajes, en especial en la creación de los personajes, a los que todo el conjunto da forma tras varios meses de ensayos.

La película no obtuvo buena respuesta comercial por lo que Leigh prosiguió durante toda la década de los 70 su labor como director teatral y televisivo, realizando telefilms como “Hard Labour” (1973), “Nuts In May” (1976), “Abigail’s Party” (1977), “Meantime” (1984) o “Four Days In July” (1985), antes de volver al cine en la segunda mitad de los años 80 con “Grandes Ambiciones” (1986), sátira por la que Mike Leigh fue premiado en el Festival de Venecia y Ruth Sheen y Edna Doré obtuvieron sendos galardones en los premios del Cine Europeo.

Sus trabajos en la siguiente década, “La Vida Es Dulce” (1990), comedia dramática urbana, “Indefenso” (1993), film por el que Mike Leigh consiguió el premio al mejor director y David Thewlis el de mejor actor en Festival de Cannes, y “Secretos y Mentiras” (1996), confirmaron al autor inglés como uno de los mejores cineastas de su país. Especialmente gracias este último film, que logró cinco nominaciones al premio Oscar, entre ellos la de mejor película, consiguiendo también la Palma de Oro en Cannes, un nuevo galardón para Leigh como mejor director y otro para Brenda Blethyn como mejor actriz.

Más tarde estrenó “Todo o Nada” (2002) y “El Secreto De Vera Drake” (2004), película sobre el aborto por la que Mike Leight fue nominado al Oscar como mejor director y guionista, mientras que Imelda Staunton, galardonada en los premios del Cine Europeo y en Venecia al recibir la Copa Volpi, recibió una candidatura como mejor actriz. La película obtuvo el León de Oro en el citado Festival de Venecia.

En "Un Cuento Sobre La Felicidad" (2008), película con el protagonismo de Sally Hawkins, narraba la historia de una maestra de primaria caracterizada por su optimismo al decidir obtener el permiso de conducir.

En "Another Year" (2010) se centra en un matrimonio feliz que intenta ayudar a su hijo y sus amigos.

Películas de Leigh en Cinearte:

"Mentiras y secretos"

"Un año más"

Alberto Isaac

Alberto Isaac(1923-1998)

Fue un cineasta, pintor, caricaturista y nadador olímpico mexicano. Nació el 18 de marzo de 1923 en Coyoacán, Ciudad de México, Distrito Federal, sin embargo toda su infancia la vivió en el estado de Colima. Fue director de 13 cintas, siendo nominado en varias ocasiones a los premios Diosa de Plata y 44 veces a los Ariel, logrando ganar 11. Su documental Olimpíadas en México fue nominada a los Óscares en 1969. Sus últimos años los vivió en el poblado de Comala, donde se dedicó a la pintura y como cartonista en periódicos colimenses y del Distrito Federal hasta que falleció el 9 de enero de 1998. A su muerte, sus restos fueron incinerados y sus cenizas vertidas en el mar del poblado de Cuyutlán, mismo que utilizó como locación para algunas de sus cintas.

En 1965 presenta en el cine Diana de Manzanillo, Colima, su primera película titulada "En este pueblo no hay ladrones" junto al caricaturista Abel Quezada y el artista José Luis Cuevas. Luego de ello, produjo otras películas con las que llegó a figurar en un libro de Beatriz Paredes Rangel entre los 13 mejores directores del cine mexicano. En "El rincón de las vírgenes" produjo una remembranza de la época revolucionaria en el estado de Colima, con episodios en Cuyutlán, Comala y la ciudad de Colima. En Maten a Chinto, reproduce un dramático episodio sucedido en el Hotel Colonial de Manzanillo, cuando el mayordomo Nicolás Rivera se atrinchera en la construcción, entablando combate con la policía e inclúso el Ejército Mexicano. Con su filme "Mujeres insumisas" logra obtener diversos reconocimientos nacionales e internacionales. A Alberto Isaac se le encomendó la producción del documental sobre los Juegos Olímpicos de Moscú 1980. Fue el primer director del Instituto Mexicano de Cinematografía .

Leer más en: 

http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/alberto_isaac.html

Películas de Isaac en Cinearte:

Tívoli

El rincón de las vírgenes

En este pueblo no hay ladrones

Alexander Sokúrov

Александр Николаевич Сокуров(1959)

Nació en Siberia en la familia de un oficial.Se graduó en el departamento de Historia de la Universidad Nizhni Nóvgorod en 1974 y comenzó a trabajar en los estudios VGIK .Alexander Sokurov continúa el cine de profundidades poéticas de su compatriota Andrei Tarcovsky. Al gran creador de "Stalker" le dedicó un documental homenaje: "Elegía de Moscú". La celebridad de Sokurov se ha cimentado con "El arca Rusa". Pero otras numerosas obras manifestan su talento narrativo y su percepción de lo singular. Sokurov realizó cortometrajes, largometrajes, películas documentales y de ficción, en 35 mm, y en video como "Voces espirituales"(1995). Entre "Madre e Hijo" (1997) y Moloch (1999), filmó "Una vida humilde", "Confesión" y "La trama"."Y nada más" (1982); y una obra plasmada con la sucesión de los grandes hechos de la segunda guerra mundial organizadas bajo la expresión latina Tertium Num Datur; y otra compilación de imágenes: "Retrospectiva de Leningrado" (1957-1990), de trece horas de duracion. Adaptó a clásicos literarios: en "La voz solitaria de los hombres", recupera a Platonov; en "Dolorosa indiferencia", a Bernard Shaw; en "Páginas ocultas" recrea la imagen de Dostoievski y de otros escritores rusos; en "Salva y protege" se adentra en la literatura de Gustave Flaubert. Se sumerge también en exquisitos retratos introspectivos como el de María Voinova, la campesina rusa de"María (1978-1988)", o una anciana japonesa de "Una vida humilde".

En Sokurov la imagen muchas veces deviene una expresión plástica, pictórica. Ejemplos numerosos de esta pintura cinematográfica afloran en "Madre e hijo", por ejemplo. La recreación de la vida secreta de un cuadro de un pintor holandés del siglo XVI, alojado en el Museo de Utrecht, es parte de una mística ensoñación que acontece en "Elegía de un Viaje". La recuperación de la silenciosa y monumental vida del Museo Hermitage de San Petesburgo colma la única secuencia de "El Arca rusa".

Lea una entrevista a este director en:

http://www.temakel.com/cineesokurov.htm

Películas de Sokúrov en Cinearte:

Alexandra.
Madre e hijo.