Los que hacen del cine un arte

Incluimos datos, fotografías y enlaces a artículos y estudios de directores de cine que por su obra y trayectoria en este arte, forman parte de su historia.

sábado, 27 de agosto de 2011

Raúl Ruiz


Chile 1941- Francia 2011

Todo filme conlleva siempre otro filme secreto,
y para descubrirlo,
basta desarrollar el don de la doble visión que ...
consiste en ver en una cinta no ya la secuencia narrativa que se da a ver efectivamente,
sino el potencial simbólico y narrativo de las imágenes
y de los sonidos aislados del contexto...
Raúl Ruiz




Raúl Ruiz fue una persona contradictoria. Chileno hasta la médula, no tuvo problemas en que lo llamaran Raoul y lo calificaran como cineasta francés. Director de cine, filma largometrajes en 12 días, le encargan documentales y filma ficciones, no termina todo lo que filma, enfureciendo a los productores.

Nacido en Puerto Montt en 1941, hijo de marino mercante, a los quince años ya escribía obras de teatro a un ritmo frenético. A los 21 años ya había escrito cien. En estas historias se perfila ya su estilo corrosivo y lúdico. Luego de trabajar varios años como guionista de televisión, el año 1968 marcó su despegue como cineasta, gracias a su primer largometraje Tres Tristes Tigres. La película narra las desventuras de un grupo de pícaros sin trabajo en torno a los bares San Diego y Mapocho. La obra estuvo lejos de ser éxito de taquilla, pero la crítica la recibió muy bien, incluso obtuvo premios en Europa. Esta disparidad en la recepción será una constante en su filmografía. Militante del Partido Socialista, desarrolló una prolífica obra durante el Gobierno de Salvador Allende. El cine de Ruiz durante la Unidad Popular consistió mayoritariamente en documentales por encargo, pero también en obras de ficción en su estilo irónico, como Palomita Blanca. Por estos años se casó con la cineasta Valeria Sarmiento, que ha sido la editora de sus películas.

El golpe de Estado de 1973 cerró los espacios cinematográficos y Ruiz, como muchos otros, partió al exilio. Se radicó en Francia, donde vive en la actualidad. A los pocos meses de su llegada, realizó quizás su película más chilena: Diálogo de Exiliados, de 1974. Esta obra vino a cerrar un ciclo, pues en adelante Ruiz cambió notoriamente de estilo, dejando de lado lo costumbrista e irónico, optando por narraciones laberínticas con énfasis en los juegos de tiempo y espacio. En cierta forma Raúl Ruiz fue “adoptado” por el sistema cinematográfico francés. El Institut National de l’Audiovisuel le permitió trabajar a sus anchas, filmando decenas de obras, entre las que destacan La Vocación Suspendida en 1977, Coloquio de Perros (premio César a mejor cortometraje argumental en 1979) y La Hipótesis del Cuadro Robado en 1979. La década de 1980 fue la de la consolidación definitiva. En 1982 realizó Las Tres Coronas del Marinero, la que muchos críticos consideran su mejor película. En 1983, la prestigiosa revista Cahiers du Cinéma le dedicó un número especial. En adelante filmó con actores de la talla de Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni.

Terminada la dictadura en Chile, ha regresado periódicamente al país. Él dice “vivo en Chile, pero viajo once meses al año por Europa”. En estos años comenzó a realizar actividades diversas: escribió novelas, tiras cómicas, dictó conferencias en universidades. Afortunadamente, decidió poner sus ideas por escrito en 1995, en su libro de ensayo Poética del Cine. En 1999, realizó quizás su obra más ambiciosa: adaptar a Marcel Proust. El largometraje El Tiempo Recobrado le dio así credencial de cineasta de primer orden, saliendo en cierta manera del circuito de “especialistas” en el que se encontraba. 

Sus últimas películas  :

2007: La recta provincia
2008: Litoral, cuentos del mar
2008: Nucingen Haus
2009: A Closed Book
2010: Misterios de Lisboa


Películas de Raúl Ruiz en Cinearte:

“Tres vidas y una sola muerte”(Francia,1995 con M.Mastroianni, Marisa Paredes...)
"Misterios de Lisboa, Francia, 2010, Festival de San Sebastián, Mejor director)

viernes, 26 de agosto de 2011

Charles Chaplin


Charles Chaplin (1889-1977)


Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.

Los comienzos en Hollywood

A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.


Chaplin en A Night in the Show (Charlot en el teatro)

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.

Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.

También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un genio del cine.


Chaplin en El circo (1927)

Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un millón de dólares al divorciarse de su Lolita.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. Ya en 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo.

Al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.

El patriarca de Vevey

Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.


Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.

Tomado de:http://www.biografiasyvidas.com/monografia/chaplin/

Leer más en :
 http://www.charliechaplin.com/ (Inglés)
http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Chaplin

Películas de Chaplin en Cinearte:

Monsieur Verdoux

martes, 23 de agosto de 2011

Juan José Campanella


Juan José Campanella

Juan José Campanella es un conocido director de cine de origen argentino, famoso por sus películas con fuerte contenido cultural y emotivo.
Juan José Campanella nació el 19 de Julio de 1959 en la ciudad autónoma de Buenos Aires, Argentina.
Desde siempre fue atraído por las artes, por lo que en cuanto pudo terminar la secundaria y recibirse intentó por todos sus medios el viajar para conseguir experiencia.
Esto se debió en parte a que en argentina la capacidad de producción por su tiempo estaba muy limitada al típico humor de revista que desarrollan Alberto Olmedo y “el Gordo” Porcel.
Así, con la cabeza llena de ideas y fantasías terminó en los Estados Unidos donde trabajó desde abajo para poder conseguirse un lugar entre los creativos.
Finalmente pudo trabajar como asistente en “Law and Order: Criminal Intent” una serie policial con un amplio recibimiento en el público.
No obstante, este fue uno de sus primeros trabajos mediatizados, puesto que mucho antes había tenido la posibilidad de realizar algunos mediometrajes no muy comercializados.
El INCAA posee los derechos y los registros de los mismos que son en primer lugar “Prioridad Nacional” filmado y estrenado en 1979. En 1982 filmó “Victoria 932”, pero la misma no fue estrenada por orden específica de los mandos militares que por la época dominaban el país.
A su regreso a la Argentina pudo comenzar a trabajar con algo más de solvencia económica por las productoras que daban sus primeros pasos fuertes en el suelo nacional.
De esta forma nació “El Mismo Amor, la Misma Lluvia”, que tenía como protagonista a Ricardo Darín en el papel de un joven escritor de cuentos románticos.
Luego de conocer a una chica y comenzar una hermosa relación, con el correr de los años ella le pide que empiece a escribir literatura buena y poco a poco las cosas se desgastan.
La película recibió muchos premios de la crítica nacional, como mejor película, mejor actor, mejor montaje, mejor fotografía, mejor actor de reparto y otros más.
El éxito que había venido aparejado con su primer largometraje, vino además con un nuevo guión que ya tenía preparado un par de años después.
Nuevamente el actor elegido para el primer papel fue Ricardo Darín y el título de la obra fue “El Hijo de la Novia”. Tan espectacular fue el filme que hasta llegó a participar de la entrega de Premios de la Academia.
“El Hijo de la Novia” estaba nominada como Mejor película de habla no inglesa, pero terminó perdiendo el galardón contra “No Man’s Land” de Danis Tanovic.
No obstante este pequeño tropezón, Campanella siguió con su iniciativa de pura creatividad y para el 2004 ya tenía listo un nuevo guión que dirigió bajo la producción de Adrián Suar.
“Luna de Avellaneda” trata de un club social y deportivo argentino que tuvo sus años de gloria en la década del ’40. En la actualidad estaba abandonado, hasta que los hijos de los dueños se enteran que desean convertirlo en un casino.
Poco tiempo después de un nuevo éxito cinematográfico, Campanella decidió optar por una salida que ya había experimentado en los Estados Unidos: las series.
Así en el 2006 nació “Vientos de Agua” una tira que marcaba y mostraba de manera muy realista la vida de los inmigrantes europeos en Argentina a comienzos del siglo XIX y la misma situación de inmigrantes argentinos en Europa actualmente.
En el 2009 estrenó con gran éxito "El secreto de sus ojos", película que ha ganado numerosos premios en importantes festivales internacionales como el de Cannes.

Lea más en : http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_José_Campanella
http://www.cinenacional.com/persona/juan-jose-campanella

Películas de Campanella en Cinearte:

El secreto de sus ojos
El hijo de la novia

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lunes, 8 de agosto de 2011

Martin Scorsese


Martin Scorsese (1942)


Director y productor estadounidense, Scorsese lleva tres décadas cautivando a crítica y público con su particular forma de hacer cine. Su talento como contador de historias y estilista visual le ha dado gran prestigio y un éxito reservado por lo general a cineastas más comerciales.

Martin Scorsese no tuvo una infancia fácil: el asma que sufría le impedía practicar deportes o participar en actividades propias de un niño normal. Así que se refugió en las películas, y de esa forma descubrió su pasión por el séptimo arte. Con el tiempo se matricularía en la escuela de cine de la Universidad de Nueva York, donde dio sus primeros pasos como director de varios cortometrajes.

Trabajó como montador en Hollywood hasta que en 1968 dirigió su primer largometraje, el drama ¿Quién llama a mi puerta?, protagonizado por Harvey Keitel. Más tarde regresó a su Nueva York natal para rodar Malas calles (1973), trabajo que atrajo la atención de la crítica norteamericana e internacional. En este film aparecían ya las marcas de estilo habituales de Scorsese, como el empleo de antihéroes o la obsesión por la religión y el estilo de vida de los gangsters. Con Malas calles, además, estableció su relación con Robert de Niro, uno de los actores habituales en su filmografía.

En los años siguientes, el director fue responsable de varias películas que le revelaron como uno de los nuevos talentos del cine de su país: Alicia ya no vive aquí (1974), su particular respuesta a quienen creían que no podría dirigir un "film de mujeres"; Taxi Driver (1976), una cinta que explora la violencia en la sociedad estadounidense, con Robert De Niro y una adolescente Jodie Foster; Toro salvaje (1980), uno de sus trabajos más ambiciosos, de nuevo con De Niro...

Scorsese ha dirigido más de 25 películas, entre las que se incluyen también New York New York, El color del dinero, La última tentación de Cristo, Uno de los nuestros, La edad de la inocencia, Casino y Gangs of New York. Su trabajo ha sido reconocido con varias nominaciones al Óscar como director y como guionista. También ha ganado diferentes premios en prestigiosos concursos y festivales de todo el mundo. Ganó el Óscar por su película "Los infiltrados".

Por otra parte, Scorsese no ha dudado en apoyar a otros cineastas a través de su faceta de productor. Además, es uno de los fundadores de la Film Foundation, entidad que promueve la restauración de films por parte de archivos y estudios, y posee una compañía dedicada a la restauración y distribución de películas clásicas. 

Leer más en :

http://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Scorsese
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2277.html

Películas de Scorsese en Cinearte:

Taxi driver
Infiltrados