Los que hacen del cine un arte

Incluimos datos, fotografías y enlaces a artículos y estudios de directores de cine que por su obra y trayectoria en este arte, forman parte de su historia.

martes, 19 de julio de 2011

Mario Camus


Mario Camus (1935, Santander, Cantabria)


Estudia Derecho y posteriormente estudios de cine en la Escuela Oficial de Cine. Pertenece a la generación del Nuevo Cine Español de la que forman parte, entre otros, Carlos Saura, Basilio Martín Patino, José Luis Borau, Julio Diamante, Miguel Picazo y Manuel Summers.


Es reconocida su maestría en la adaptación de textos literarios al cine, como se comprueba en las películas basadas en obras de Calderón de la Barca y Lope de Vega (La leyenda del alcalde de Zalamea, 1972), Ignacio Aldecoa (Young Sánchez, 1964, Con el viento solano, 1967 y Los pájaros de Baden-Baden, 1975), Pérez Galdós (la serie de televisión Fortunata y Jacinta), Camilo J. Cela (La colmena, 1982), Miguel Delibes (Los santos inocentes, 1984), García Lorca (La casa de Bernarda Alba, 1987).


Junto a un cine más comercial al servicio del cantante Raphael y de Sara Montiel en los años sesenta y obras de género, como el western La cólera del viento (1970) o las historias de amor conflictivo Volver a vivir (1968) y La joven casada (1975), realiza sus películas más personales ya en la década de los noventa, con el análisis del terrorismo de ETA presente en Sombras en una batalla (1993) y La playa de los galgos (2002) y las fábulas críticas con la sociedad capitalista Después del sueño (1992), Adosados (1997) y El color de las nubes (1998). Ha escrito los libros de relatos Un fuego oculto (Madrid, 2003) y Apuntes del natural (Santander, 2007).

Más sobre Camus:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/camus_mario.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Mario_Camus

Películas de Camus en Cinearte:

Los Santos Inocentes
La Colmena

domingo, 17 de julio de 2011

María Luisa Bemberg



María Luisa Bemberg(1922-1995)
María Luisa Bemberg nació en Buenos Aires en una de las familias más ricas y poderosas del país, entre otras cosas propietarios de la Cervecería Quilmes y opositores declarados contra Juan Domingo Perón.Se casó a los 20 años y a los 30 ya estaba divorciada con cuatro hijos. En 1949 comenzó a trabajar como empresaria de espectáculos teatrales y fundó el Teatro del Globo con Catalina Wolff.

Fue feminista activa. Además de ser una de las fundadoras de la Unión Feminista Argentina, María Luisa fue una de las co-fundadoras del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, organizado por mujeres artistas y creadoras. Su cine está profundamente vinculado a la problemática de la mujer. Sus relatos se desarrollan en forma de fábulas, tragedias o parodias, con gran sensibilidad y sentido crítico, ya sea basadas en su vida, la literatura argentina, o la historia.

Escribió la obra teatral La margarita es una flor, que usó como base para el guión de la película Crónica de una señora, (1970), de gran éxito de crítica y público. En 1975 escribió Triángulo de cuatro. En 1972 escribió produjo y dirigió su primer cortometraje El mundo de la mujer y en 1978 el segundo Juguetes. Cuando el gobierno quiso censurar su trabajo decidió ir a estudiar a la academia de actores de Lee Strasberg en Nueva York.
Además de haber sufrido la censura militar, María Luisa se dio cuenta de que ningún hombre se interesaría por la conciencia femenina de la manera y con la profundidad en que ella quería abordarla, y alrededor del año 1980 comenzó su propia empresa de producción junto con Lila Stantic con el nombre de GEA Cinematográfica. También fue muy conciente de que si ella misma no se costeaba sus propios proyectos, nunca podría hacer cine. Con GEA negoció su primera co-producción con España. Escribió varios guiones para largometrajes que llevó al cine, entre ellos Señora de nadie (1982). Con la colaboración de Marcelo Pichón Riviere, escribió el guión de Momentos en 1981. En 1983, escribió y dirigió Camila, basado en la trágica vida de Camila O’ Gorman, en colaboración con Beda D’Ocampo Feijoo y Juan B. Stragnaro. Esta película, producida en 1984, le trajo gran reconocimiento internacional y convirtió a María Luisa en una de las primeras cineastas latinoamericanas de gran éxito. Camila fue nominada al Oscar como mejor film extranjero en 1985.

En 1986 escribió Miss Mary con la colaboración de Jorge Goldenberg: tal vez su historia más íntima que relata algunos aspectos de su vida, su niñez y adolescencia así como la clase social a la que perteneció. En 1990 escribió, junto a Jorge Goldenberg y Antonio Larreta, Yo, la peor de todas, basada en el libro de Octavio Paz sobre la vida de Sor Juana Inés de la Cruz. Dentro de la temática de género que trabajó María Luisa, tanto Camila como Yo la peor de todas fueron inspiradas por biografías de mujeres excepcionales. María Luisa dijo: “Camila pierde su vida como Sor Juana pierde su espíritu, no la queman, pero le queman las alas”.

En 1992 escribió junto a Jorge Goldenberg De eso no se habla basado en el cuento homónimo de Julio Llinás. En 1995 colaboró como intérprete en la película La balada de Donna Helena , dirigida por Fito Paéz . El último guión escrito por María Luisa Bemberg “Un extraño verano” basado en el cuento “El Impostor” de Silvina Ocampo lo comenzó alrededor del año 1994, antes de que se diagnosticara su enfermedad. Al morir “Un extraño verano” pasó a manos del equipo de trabajo que colaboró con la directora, entre los que se destaca Alejandro Maci y Jorge Goldenberg. Filmado en 1997 con el título El impostor y dirigido por Alejandro Maci, obtuvo el Segundo Premio Coral a mejor  película del año, el Premio Coral de Fotografía y el Premio Coral de Dirección artística del Festival de Cine de La Habana.

Filmografía:

Momentos (Argentina) 1980. 89 minutos.
Señora de Nadie (Argentina) 1982. 98 minutos.
Camila (Argentina-España) 1984. 88 minutos.(Nominada al Óscar)
Miss Mary (Argentina) 1986. 100 minutos
Yo la peor de todas (Argentina) 1990. 105 minutos.
De eso no se habla (Argentina-Italia) 1993. 105 minutos. (Premiada en Cannes)

Leer más en :
http://www.lanacion.com.ar/211272-maria-luisa-bemberg-desde-la-camara
http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Luisa_Bemberg

Películas de esta directora en Cinearte:

De eso no se habla




viernes, 15 de julio de 2011

Nikita Mijalkov

Никита Сeргеевич Михалков
(Nikita Sergeyevich Mijalkov)




Mijalkov nació en una familia de distinguidos artistas en 1945. Su bisabuelo fue el gobernador imperial de Yaroslavl, cuya madre era una princesa de Galitzia. El padre de Nikita, Sergei Mijalkov, es más conocido como autor de literatura para niños aunque también escribió la letra del Himno de la Unión Soviética. La madre de Nikita, la poetisa Natalia Konchalovskaya, era la hija del artista vanguardista Pyotr Konchalovsky y nieta de otro pintor sobresaliente, Vasily Surikov. El hermano mayor de Nikita es el director Andrei Konchalovsky, básicamente conocido por su colaboración con Andrei Tarkovsky y sus películas de acción en Hollywood, como Tango y Cash.

Mijalkov estudió interpretación de niño en el Teatro del Arte de Moscú y después en la escuela Schukin del Teatro Vakhtangov. Todavía estudiante, apareció en el film de Georgi Daneliya Ya shagayu po Moskve (Un paseo por Moscú) (1964) y en el film de su hermano Andrei Konchalovsky Dvoryanskoe gnezdo (Hogar de los valientes) (1969). Pronto estuvo en camino de convertirse en una estrella de la escena soviética.
Mientras continuaba su carrera de actor acudió a la escuela de cinematografía del estado donde estudió dirección a las órdenes de Andrei Tarkovsky, maestro de su hermano Andrei Konchalovsky. Dirigió su primer corto en 1968, Vuelvo a casa, y otro en su graduación, Un día tranquilo al final de la guerra en 1970. Mijalkov había aparecido en una veintena de películas, incluyendo la de su hermano Tío Vanya (1972), antes de colaborar en el guión, dirigir e interpretar su primera obra, En casa entre extraños en 1974, un Western Rojo situado en los años 1920 en la guerra civil en Rusia.

Mijalkov estableció su reputación internacional con su segunda obra, Esclavo del amor (1976). Desarrollada en 1917, narraba los esfuerzos de un equipo de rodaje por crear un melodrama mudo en un balneario mientras la revolución rusa explotaba a su alrededor. La película, basada en los últimos días de Vera Kholodnaya, fue aclamada internacionalmente tras su estreno en los EE.UU.
El siguiente film de Mijalkov, Una pieza inacabada para piano (1977) era una adaptación de una obra temprana de Chekhov, Platonov. Fue ganadora del primer premio en el Festival de cine de San Sebastián. En 1978, mientras protagonizaba el épico film de su hermano Siberiada, Mijalkov hizo Cinco tardes, una historia de amor acerca de una pareja separada por la Segunda Guerra Mundial, que se encuentra de nuevo tras 18 años. El siguiente film de Mijalkov, Oblómov (1980), con Oleg Tabakov en el papel principal, estaba basado en la novela de Iván Goncharov acerca de un perezoso joven noble que se niega a dejar su cama. Parientes (1981) es una comedia acerca de una mujer provinciana en Moscú envuelta en los complicados enredos de su parientes. Sin Testigos (1983) sigue la larga conversación nocturna entre una mujer, (Irina Kupchenko) y su ex-marido (Mijail Ulyanov) accidentalmente encerrados en una habitación.
Al inicio de los 80, Mijalkov reasumió su carrera como actor, apareciendo en la popular Estación para dos de Eldar Ryazanov (1982) y en Un romance cruel (1985). En ese periodo también interpretó el papel de Henry Baskerville en la versión soviética de El perro de los Baskerville. También apareció en sus propias películas, como En casa entre extraños, Esclavo del amor, Una pieza inacabada para piano y Quemado por el Sol que ganó el Óscar como mejor película en lengua extranjera. Sus películas han sido nominadas y premiadas en numerosos festivales.

Leer más en :
http://www.hoycinema.com/perfil/Nikita-Mikhalkov.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Nikita_Mijalkov

Películas de este director en Cinearte:

Ojos Negros
Pieza inconclusa para piano mecánico
Quemado por el sol

miércoles, 13 de julio de 2011

Fernando Trueba

Fernando Trueba



Nació en 1955 en Madrid, España.
Es hermano del guionista y productor de cine David Trueba. Estudió en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid; luego se inició como crítico de cine para el periódico El País y para La Guía del Ocio.
Se dio a conocer con su primera película, llamada oportunamente Ópera prima (1980). En 1985 alcanzó la fama con la comedia Sé infiel y no mires con quién protagonizada, entre otros, por Ana Belén, Carmen Maura y Antonio Resines.
En 1988 fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la cual otorga anualmente los Goya.
En 1992 su película Belle Époque fue premiada con 9 premios Goya, a mejor película, mejor director y mejor actriz (Ariadna Gil). En 1993 fue galardonada esta misma con el premio a la mejor película de habla no inglesa de los Óscares estadounidenses.
En el 1994 dirigió Two Much protagonizada por Antonio Banderas y Melanie Griffith.
Es autor del libro Diccionario de cine (1997).
Y en 1998 dirigió La niña de tus ojos, película protagonizada por Penélope Cruz que consiguió 7 Goyas, entre ellos el Goya a la mejor película. (Datos tomados de http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_Trueba)

FILMOGRAFÍA

            •          Chico y Rita (2011) Director
            •          El baile de la victoria (2009) Director, Guionista
            •          Bajo las estrellas (2007) Producción
            •          El milagro de Candeal (2004) Director
            •          El embrujo de Shanghai (2002) Director, Guionista
            •          Calle 54 (2000) Director, Guionista
            •          La niña de tus ojos (1998) Director
            •          Two much (1995) Director, Guionista
            •          Belle epoque (1992) Director, Guionista
            •          El sueño del mono loco (1989) Director, Guionista

Página oficial de Trueba:
http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/trueba/home.htm

Películas de Trueba en Cinearte:

El año de las luces
Sé infiel y no mires con quien
La Belle Èpoque


sábado, 9 de julio de 2011

Jean Renoir

Jean Renoir


(París, 1894-Beverly Hills, EE UU, 1979) Director, guionista, productor cinematográfico y escritor francés. Hijo del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir, Jean es uno de los nombres clave del cine francés y universal. Su vocación se despertó a raíz del descubrimiento, en 1924, de la película de Erich von Stroheim Esposas frívolas (1921), cuya impronta será perceptible a lo largo de toda su producción. La fille de l’eau (1924) marcó su debut como realizador, aunque su consagración no llegaría hasta Toni (1935), precedente directo del neorrealismo por su temática social y su interpretación a cargo de actores no profesionales. Le siguieron dos de sus filmes más célebres, La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939), manifiesto pacifista la primera, ingeniosa crítica de la sociedad burguesa la segunda. El estallido de la Segunda Guerra Mundial obligó a Renoir a buscar refugio en Estados Unidos, donde continuó su carrera. De este período datan títulos como Esta tierra es mía (1943) y La mujer en la playa (1946). French can-can (1955) y Comida sobre la hierba (1959) fueron realizados tras su regreso a Francia.
Sus películas, que durante mucho tiempo fueron menospreciadas e incomprendidas, aparecen hoy en día como obras clave dentro del desarrollo de la historia del cine francés entre 1930 y 1950, antes de que se iniciara en Francia la Nouvelle vague. La influencia sobre el cine de François Truffaut es especialmente notable.

Ler más en :
http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Renoir
http://www.hoycinema.com/biografia/Jean-Renoir.htm

Películas de renoir en Cinearte:

French can can
La regla del juego

miércoles, 6 de julio de 2011

Susanne Bier

Susanne Bier en la entrega de Óscares 2010



Susanne Bier es una directora, guionista y productora de cine danesa. Nació el 15 de abril de 1960 en Copenhague. Se dio a conocer internacionalmente con películas realizadas bajo los parámetros del movimiento fílmico Dogma 95. (Ver:  http://apuntes.rincondelvago.com/dogma-95.html )

Bier fue una destacada participante del movimiento dogma 95, bajo cuyos postulados realizó películas como Elsker dig for evigt (2002). Más tarde, Susanne realizó el filme Brødre (2004), donde continuaría empleando una estética cercana a la de dogma, pero sin seguir al pie de la letra todas las reglas del movimiento. En 2006, filmó Efter brylluppet (Después de la boda), producción nominada al Óscar como mejor película en lengua extranjera. En el 2007 estrenó su producción Things We Lost in the Fire.
En 2010, dirigió la película Hævnen (Venganza), con la que ganó los premios Globo de Oro 2011 como mejor película en lengua no inglesa y el Óscar de 2010 como mejor película extranjera.

Más sobre Susanne Bier en:

http://www.hoycinema.com/perfil/Susanne-Bier.htm
http://www.noticine.com/internacional/38-internacional/15281-daneses-susanne-bier-vuelve-a-la-comedia-romantica-y-bille-august-al-cine-nordico.html


Películas de Bier en Cinearte:

En un mundo mejor

sábado, 2 de julio de 2011

María Novaro


María Novaro recibe galardones

María Luisa Novaro Peñaloza nace el 11 de septiembre de 1951 en la ciudad de México. Estudió Sociología en la UNAM y descubrió que el cine "era lo suyo" a partir de que colaboró como asesora en el rodaje de varios documentales.
Mientras estudiaba producción de cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM, Novaro filmó varios cortometrajes en super 8 y 16mm y fue asistente de Alberto Cortés en Amor a la vuelta de la esquina (1985), antes de dirigir su primer largometraje. Fue precisamente uno de aquellos cortos, Una isla rodeada de agua (1984), el primero en llamar la atención de la crítica hacia el trabajo de Novaro. En ese ejercicio, acerca de una niña de la costa de Guerrero que emprende un viaje en busca de la madre que un día la abandonó, la directora planteaba los temas esenciales de toda su obra fílmica: La condición femenina en el México contemporáneo y la lucha de la mujer por la supervivencia emocional. Azul celeste (1988), un corto acerca de una mujer embarazada que busca a su marido en la inmensa ciudad de México, fue el punto culminante de la primera etapa de la carrera de Novaro. Lola (1989) se convertiría en el primero de, hasta el momento, cuatro largometrajes: El mayor número de los realizados por mujeres en México.
En películas como Danzón (1991), El jardín del edén (1994) y Sin dejar huella (2000), María Novaro ha logrado establecer, con gran éxito, una empatía hacia el personaje femenino protagonista y reflejar la soledad existencial de la mujer mexicana contemporánea. Esta soledad, que sus personajes viven en carne y hueso, se expande y se puede asumir como la contraparte femenina a la soledad del hombre mexicano, tal como la esbozó Octavio Paz en "El laberinto de la soledad".
                      Sin Miedo (2010)
                      Las buenas hierbas (2008) (sitio oficial)
                      Traducción simultánea, (2006)
                      Sin dejar huella, (2000)
                      Enredando sombras (1998)
                      El jardín del Edén (1994)
                      Otoñal (1993)
                      Danzón (1991)
                      Lola (1989)
                      Azul celeste (1988)
                      Historias de la ciudad (1988)
                      Una isla rodeada de agua (1986)
                      Pervertida (1985)
                      Querida Carmen (1983)
                      7 A.M. (1982)
                      Conmigo la pasaras muy bien (1982)

Mas sobre María Novaro en :
www.lasbuenashierbas.com/index.php?music=1 
http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Novaro
www.eluniversal.mx/notas/775455.html

Películas de Novaro en Cinearte:

Danzón

viernes, 1 de julio de 2011

Luchino Visconti

Luchino Visconti
Nació en Milán, 1906  y falleció en Roma en 1976.

De orígenes aristocráticos, en los años treinta se aficiona al cine y durante una estancia en París, conoce a Jean Renoir y trabaja con él. Debuta como director con "Obsesión (Ossessione)" (1943), adaptación a un ambiente italiano de la novela "El cartero siempre llama dos veces" de James M. Cain. En su primera película, Visconti recupera el talento de dos famosos actores del periodo fascista, Clara Calamai y Massimo Girotti, y los convierte en protagonistas de una historia llena de sensualidad, ambientada en lugares poco comunes. El resultado es una película de rotura, aborrecida por las autoridades, que anuncia una nueva concepción del cine.
En 1943 es arrestado por sus actividades antifascistas y ha de esperar hasta 1948 para rodar "La tierra tiembla (La terra trema)", adaptación de una novela de G. Verga, "Los Malavoglia (I Malavoglia)". Película sobre la historia de una familia, interpretada por actores no profesionales y hablada en siciliano, se caracteriza por una potente plasticidad en la cual el melodrama se une a un sentido aristocrático, no populista, a pesar de sus influencias evidentemente marxistas. Sigue "Bellísima (Bellissima)" (1951) cuya visión del pueblo es gramsciana en el sentido más estricto de la palabra y que representa una feroz crítica del neorrealismo y, a la vez, una superación del mismo.  En cualquier caso, "Bellissima" es una obra fundamental del cine italiano en la cual es posible entrever algunas tenues señales que anuncian el cambio antropológico que se manifestará plenamente durante los años del "boom" y que Pasolini narrará con dolor.
En uno de sus mejores momentos, Visconti rueda "Senso" (1954), una relectura del Risorgimento exenta de hipocresías y un homenaje insuperable al mundo verdiano. "Senso" es una obra maestra indiscutible en la cual la perfección de la puesta en escena (piénsese a la secuencia inicial en el teatro o al veloz y febril desenlace final) se combina con una dirección ejemplar de los actores.

A partir de “Senso”, Luchino Visconti aborda y desnuda en sus filmes su contradictorio y complejo mundo interior. La destrucción del núcleo familiar; la decadencia de una clase social, -la suya-, y la degradación moral serán los ejes básicos de sus tres indiscutibles obras maestras: “Rocco y sus hermanos”; “El Gatopardo” y “Muerte en Venecia”.
El periodo más fértil de la creatividad de Visconti se cierra con "Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli)" (1960), suma y compendio de su arte, expresado en las formas de un melodrama de notables efectos en el cual se narra la desintegración de una familia campesina al llegar a la ciudad. Influido por Mann y Dostoevskij, el director milanés coloca sus trágicos personajes fuera del tiempo y del espacio, entre el mito y la historia, y nos regala imágenes inolvidables entre las cuales destaca la escena del asesinato de Nadia, nueva Carmen, en el Puerto de Hidroaviones.
A partir de entonces, el indiscutible talento de Visconti estará al servicio de películas más o menos académicas, de poca originalidad. Sin embargo, no faltarán obras espléndidas, como "El Gatopardo (Il Gattopardo)" (1963), donde la nostalgia por el pasado y la conciencia ideológica se entrelazan en una narración impecable. Ni faltaran, tampoco, obras de inusual inspiración, como "Ludwig" (1973), una película nocturna y espectral, tenebrosa y turbadora, con lúgubres presagios mortuorios. También  (de 1967) es su filme "El extranjero" una hermosa película de este gran director injustamente olvidada, en la que recrea la novela homónima de Camus y donde Marcelo Mastroiani da una soberbia lección de actuación y que reafirma a Visconti como un gran director de actores.
Hoy se le recuerda como un  inteligentísimo director que hizo cine de buen gusto para un público culto y exigente.

Leer más  en: http://es.wikipedia.org/wiki/Luchino_Visconti
http://www.italica.rai.it/

Películas de Visconti en Cinearte:

Ludwig
El extranjero
Muerte en Venecia
El gatopardo