Los que hacen del cine un arte

Incluimos datos, fotografías y enlaces a artículos y estudios de directores de cine que por su obra y trayectoria en este arte, forman parte de su historia.

martes, 29 de marzo de 2011

Robert Bresson



Robert Bresson, (Francia, 25 de septiembre de 1901 - 18 de diciembre de 1999), cineasta, autor de una serie de películas en las que desarrolló un discurso en busca del total y absoluto ascetismo, aspirando a captar aquello que escapa a la mirada ordinaria.
Tras abandonar la pintura y la fotografía, Robert Bresson realizó su primer film en 1934: Les Affaires publiques, un cortometraje cómico. Recién empezada la Segunda Guerra Mundial, fue apresado por más de un año en un campo de concentración alemán.
No será hasta 1943 cuando podrá realizar su primer largometraje, Les Anges du péché. Más tarde y basándose en una novela de Denis Diderot, rodará Les Dames du Bois de Boulogne en 1945, con la participación de Jean Cocteau como dialoguista. Esta película, a pesar de su fracaso comercial, situó a Bresson como uno de los cineastas punteros de su generación y le valió el reconocimiento de buena parte de la crítica.
En adelante realizará lo mejor de su carrera, desarrollando un estilo propio que renunciaba a actores profesionales y al artificio, en busca de un lenguaje visual puro, cargado de gestos, miradas y sonidos. De su mejor etapa destacan Le Journal d'un curé de campagne, Un condamné à mort s'est échappé, Pickpocket o Mouchette.

A pesar de los personajes, temas y puntos de vista, desde su primer filme (Les Anges du péché, 1943) hasta el último (L'Argent, 1983) indican uno de los logros artísticos más disciplinados, intrincados y satisfactorios en la historia del cine. No menos que Griffith y Eisenstein, Bresson pensó en el desarrollo del arte del cine creando una forma narrativa puramente fílmica a través del perfeccionamiento progresivo de sus instrumentos y estrategias y el predominio (en sus palabras) de la "cinematografía" sobre el "cine" (es decir, cine ordinario).
Bresson rechazó, película por película, las normas establecidas, y no solamente al actor, sino también la estructura dramática de las "escenas" a favor de una serie de secuencias usadas a menudo para evitar la redundancia visual. Significaba que no sólo renunció a las actuaciones memorables como las de Renée Faure y de Sylvie en Les Anges du péché, de Marie Casares en Las damas del bosque de Boulogne, sino también a la fotografía etérea de L. H. Burel en Diario de un cura rural, porque era demasiado pintoresca. La importancia de un marco preciso, y la edición de los filmes que siguieron -Un condenado a muerte se ha escapado, Carterista y El proceso de Juana de Arco (1962) constituían pasos hacia una filmación cada vez más minimalista donde contaba cada gesto, cada imagen y cada palabra. Ir a la esencia de cada narración era ir a la esencia del cine. Sontag dijo que ver sus películas era la experiencia que requería una disciplina y una reflexión por parte del espectador tan grande como las pruebas que pasaban sus protagonistas.
Un condenado a muerte se ha escapado y Carterista, por ejemplo, son narraciones en primera persona de integridad impecable; sin embargo, ninguno de los filmes gasta el tiempo para establecer la narrativa y el personaje como en el relato convencional. En lugar de ello, cada uno se basa en las acciones para revelar la sicología de cada protagonista. Al lograr lo que él creyó un arte verdaderamente "cinematográfico", Bresson realizó El proceso de Juana de Arco, su obra más corta, de 75 minutos, en la cual el principio dominante es el lenguaje. Aunque no fue valorada adecuadamente, este quizás sea el ejemplo más extraordinario de su estilo, adaptado perfectamente a la difícil tarea de presentar los textos de dos juicios de Juana de Arco -el primero que la condenó y el segundo que la exoneró años después de su muerte- sin recurrir al drama, cometer excesos ni usar elementos teatrales. Próximo a la meditación elocuente y expresionista de Dreyer sobre el mismo tema, el filme de Bresson es un ejercicio controlado y sobrio, similar al estilo "documental" de aproximación a hechos históricos de La batalla de Argel de Pontecorvo.

Películas de Bresson en Cinearte:

El dinero
Picpocket
Un condenado a muerte se escapa
Diario de un cura de aldea

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Leer más en:

http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=786&Itemid=124
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Bresson

viernes, 25 de marzo de 2011

Luis Alcoriza


Proveniente de familia de actores, se exilió a causa de la Guerra Civil Española, primero en el norte de África y posteriormente en Sudamérica, desde donde llegó finalmente en 1940 a México, donde se estableció hasta su muerte.
Su padre, Amalio Alcoriza, tenía una importante compañía teatral con la que representaba en especial dramas policiacos y género flamenco. Su madre, según Alcoriza, era una gran actriz de formación clásica a la que disgustaban los géneros menores que se veía obligada a representar con la compañía familiar. Toda la compañía permaneció unida hasta llegar a México, donde sólo pudieron subsistir unos meses. 
Luis Alcoriza colaboró con Luis Buñuel en 8 guiones de éste. Grandes amigos, Alcoriza no vio valorada su obra como Buñuel, lo que siempre le pesó, más aún cuando era considerado su "discípulo", algo que él siempre negó tajantemente alegando "que Buñuel nunca le dio clases". Insiste Alcoriza en que las similitudes pueden venir dadas por las fuentes culturales comunes, pero nunca de una imitación o una relación de profesor-alumno.

En la época en que le tocó realizar su trabajo se vio obligado a hacer varias películas de intención comercial exclusivamente, pero en su labor como guionista y director, cuenta con magníficas películas por las que obtuvo numerosos premios tales como "Tiburoneros", "Tarahumara", "Mecánica Nacional" entre muchas.




Está considerado como uno de los grandes directores del mundo que hicieron un aporte artístico indiscutible al cine.

Leer más en :

Películas de Alcoriza en Cinearte:
Mecánica Nacional (Director)
Presagio (Director)
Tarahumara (Director)
El Bruto (Guionista)
La ilusión viaja en tranvía (Guionista)
El ángel exterminador (Guionista)

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Sidney Lumet

Nacido en Filadelfia, sus padres eran el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus. Se graduó en el Professional Children's School y Lumet fue actor antes que director. Hizo su debut en el Yiddish Art Theater de Nueva York a la edad de cuatro años y actuó en teatros judíos de Broadway durante la década de los 30 hasta que debutó en el cine con la película One Third of a Nation (1939). En 1947 empezó a dirigir sus propias obras de teatro en el off-Broadway y dirigió a personas como Yul BrynnerEli Wallach y otros miembros del Actor's Studio. Lumet haría su debut detrás de la cámara al principio de los 50 como director de televisión en la CBS. En ella destacaban los 150 episodios de la serie "Danger" (1950) y los 26 de "You Are There" (1953).


La entrada en el cine de Lumet comenzó de una manera muy prometedora: con el éxito comercial y de crítica de Doce hombres sin piedad (12 Angry Men) (1957). Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación a los Óscar en la categoría de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado.


Leer más en :
http://es.wikipedia.org/wiki/Sidney_Lumet
http://es.movies.yahoo.com/artists/l/sidney-lumet/index-109062.html


Películas de Lumet en Cinearte:


Largo viaje de un día hacia la noche
Equus
Tarde de perros


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lunes, 21 de marzo de 2011

John Ford


John Ford (1 de febrero de 1894 - 31 de agosto de 1973) fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio de la Academia.
Nacido como John Martin "Jack" Feeney (a pesar de que a menudo dijera que su verdadero nombre Sean Aloysius, con el apellido O'Feeny u O'Fearna; el equivalente Gaélico de Feeney) en Cape Elizabeth, Maine, fue el decimotercer hijo de unos inmigrantes irlandeses (John Augustine Feeney y Barbara "Abbey" Curran). Tras su intento por ingresar en la Marina, se traslada en 1913 a Hollywood para trabajar con su hermano Francis Ford, director, guionista y actor en la Universal Studios. Diez años después, adoptó el seudónimo de Jack Ford que pronto cambiaría por John Ford.
Trabajo con actores como: Maureen O'Hara, mujer de gran belleza con carácter fuerte para oponerse a los hombres; James Stewart, Victor McLaglen; Ward Bond, su actor de reparto por excelencia, o Henry Fonda. Se supo rodear de un equipo de grandes especialistas. Entre los guionistas cabe citar a Dudley Nichols (La Dilgencia) o Frank S. Nugent (The quiet man, The Searchers); en la fotografía trabajó con grandes maestros como: Winton C. Hoch (El hombre tranquilo), Gregg Toland (Las uvas de la ira) o Gabriel Figueroa (El fugitivo).
Su realización de Las Uvas de la Ira, se considera el más impresionante retrato de la depresión que asoló los Estados Unidos en los años treinta. Un canto a la solidaridad. Cotidiana, lírica y comprometida, una película inolvidable, necesaria y magistral.


Leer más en :


Películas suyas en Cinearte:

Las Uvas de la Ira


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sábado, 19 de marzo de 2011

Pedro Almodóvar


Pedro Almodóvar Caballero (nacido en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 24 de septiembre de 1949) es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor resonancia ha logrado fuera de España, habiendo recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, incluyendo dos premios Óscar, en diversas categorías. Ostenta la Orden de Caballero de la Legión de Honor francesa (1997), además de haber obtenido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). Ha sido investido Doctor honoris causapor la Universidad Harvard en junio de 2009.

En películas posteriores(a sus primeras realizaciones) como ¡Átame!, clasificada inicialmente como X en Estados Unidos (a raíz de esta película, nació la clasificación americana NC-17, también adjudicada a La mala educación), una mujer llega a enamorarse de su secuestrador e incluso, según ataques de sectores reaccionarios de la sociedad española, en Kika llega incluso a trivializar la violación.

También abundan, entre sus fuentes de inspiración, casi siempre autobiográficas, los elementos buñuelescos y anticlericales, como el humor negro o el cura pederasta de La mala educación, o pertenecientes al casticismo, la cultura de masas y el arte de vanguardia.

Almodóvar mezcla en sus películas lo tradicional y lo transgresor. Es característica su afición a los boleros, a Chavela Vargas, a Caetano Veloso, y en general a la estética más punk, Cutre Lux y transgresora, basada en la utilización de colores muy vivos y fuertemente contrastados, exteriores vulgares y degradados y las desproporciones violentas entre los intérpretes humanos y los entornos físicos de los edificios.


Leer más en:

http://es.wikipedia.org/wiki/Pedro_Almodóvar

http://www.elmundo.es/elmundo/2000/11/16/cultura/974341776.html

Películas suyas en Cinearte:

La mala educación

Hable con ella

Tacones lejanos


viernes, 18 de marzo de 2011

Jules Dasin

JULES DASIN CON MELINA MERCOURI


Julius Dassin (18 de diciembre de 1911, Middletown (Connecticut), Estados Unidos - 31 de marzo de 2008,Atenas, Grecia) fue un guionista, escritor, actor y director de cine estadounidense. Incluido en la Lista negrade Hollywood durante el Macarthismo, se trasladó a Francia donde cambió su nombre a Jules, continuando con su carrera. Recordado por sus filmes Rififi (Du rififi chez les hommes, 1954), y por Nunca en domingo(1960).


...casado con la actriz Melina Mercouri realizó la mayor parte de su obra en Grecia, como por ejemplo El que debe morir (Celui qui doit mourir, 1956), según la novela Cristo nuevamente crucificado de Nikos Kazantzakis.


Melina Mercouri fue uno de los más conocidos oponentes a la dictadura militar de los años setenta. Durante el período de la dictadura (véase Régimen de los Coroneles) desde 1967 hasta 1974, Merkoúri vivió en Francia. Cuando la dictadura revocó su ciudadanía griega, ella respondió diciendo: "Yo nací griega y moriré griega. El Sr. Pattakos nació siendo fascista y morirá siendo fascista."



Más datos en :


http://es.wikipedia.org/wiki/Mel%C3%ADna_Merkoúri

http://es.wikipedia.org/wiki/Jules_Dassin

http://www.culturalianet.com/art/ver_e.php?nombre=24148


Películas de Jules Dasin y Melina Mercouri en Cinearte:


Rififi (Director)

Nunca en domingo (Director)

Los pianos mecánicos (Solo Mercouri como actriz)


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Alfonso Aráu



Alfonso Aráu es un director, actor y guionista de cine mexicano, galardonado con el Premio Ariel.
Ha dirigido películas de éxito como Como agua para chocolate (del libro homónimo de su ex esposa Laura Esquivel) o Un paseo por las nubes con Keanu Reeves, Aitana Sánchez-Gijón y Anthony Quinn

En 1973 actuó y dirigió Calzonzín inspector, versión de "El Inspector" de Gogol y con el personaje de la tira cómica Los Supermachos, de Rius. La película es una crítica al PRI y sus caciques. Es notable la actuación del actor Pancho Córdova interpretando al cacique del pueblo: Don Perpetuo del Rosal, en clara alusión a un famoso político mexicano. Existen dos versiones de la película, la más corta con escenas eliminadas y en la más notable aparece cómo un policía dispara a un granjero en la espalda.
Otra de los películas a destacar El rincón de las vírgenes (1972), ambientada en el México de los años 1920, filmada al lado del Emilio "El Indio" Fernández, Carmen Salinas, Rosalba Brambila una adaptación del cuento Anacleto Morones de Juan Rulfo, dirigida por Alberto Isaac.
Su fama internacional se la dio "Como agua para chocolate", nominada al Óscar y premiada en no menos de once prestigiosos festivales internacionales incluyendo Cannes y Venecia.
Leer más en:
Películas de Arau en Cinearte:
El águila descalza
Como agua para chocolate
Calzonzin inspector
La pandilla salvaje (Actor)
El rincón de las vírgenes (Actor)
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miércoles, 16 de marzo de 2011

Emilio "Indio" Fernández


Su primera obra Flor Silvestre conjuga los aspectos de fotografía (Gabriel Figueroa), argumento (Mauricio Magdaleno), actores (Dolores del Río y Pedro Armendáriz), dirección (él mismo) y música (Trío Calaveras), bajo una fórmula que muy pronto rinde frutos.

Posteriormente dirigiría la película que es su obra maestra: María Candelaria, rodada casi bajo la misma fórmula y con enormes similitudes con Janitzio. El filme rápidamente eleva su posición al grado de recibir el Gran Premio de la Crítica (ex-aequo) del Festival de Cannes, colocándose al nivel de otras importantes producciones mundiales. Posteriormente el filme fue galardonado internacionalmente.

En 1930 vivió una experiencia que marcó notablemente su carrera como creador: su estancia en Estados Unidos, coincidió con la llegada a dicho país de Sergei Eisenstein (director de cine ruso). Acudió a las proyecciones privadas de sus cintas y,El acorazado Potemkin lo impresionó sobre manera, revelándole una forma y estética distintas a las utilizadas en Hollywood; tres años después afirmó dicha influencia, ya que al ver fragmentos de ¡Qué Viva México! (filme que Eisenstein hiciera en nuestro país), consolidó su propósito de hacer películas con un estilo implacable y directo, donde fuera evidente la exaltación tanto de la fuerza, como de la belleza de México. Con el tiempo, esto resultó evidente en gran parte de su filmografía, en la que la estética de la revolución, la evocación hacia lo naturalmente mexicano y la exaltación de lo patriótico son una constante.

El Indio Fernández encarna al hombre rebelde y anticonformista...

el que deja de ser temeroso para ser temido; el que guarda la ternura en el fondo

y muestra gran reciedad en la apariencia... Es el macho seductor, patriarcal,

infatigable en sus luchas, cuyo lema en todo es "ganar o morir.

Adela Fernández El Indio Fernández. Vida y Mito*

Leer más en:

http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/indio_fernandez.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Emilio_Fernández

http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Candelaria

http://redescolar.ilce.edu.mx/educontinua/arte/luces_de_la_ciudad/CineClub/indiofdez/index.html

Películas suyas en Cinearte:

"Enamorada"

"María Candelaria"

Como actor en:

"La pandilla salvaje"

"La Noche de la Iguana"

"El rincón de las vírgenes"

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François Truffaut

François Truffaut (París, 6 de febrero de 1932 - 21 de octubre de 1984) fue un director, crítico y actor francés. Fue uno de los iniciadores del movimiento llamado la "Nouvelle vague".

Gracias al crítico de cine André Bazin, François Truffaut empieza a trabajar en Travail et Culture. Escribe sus primeros artículos desde 1950. Tras alistarse en el ejército, se le envía a Alemania, pero deserta y pasa por la prisión militar. François Truffaut publica críticas en los Cahiers du cinéma en 1953, y dirige al año siguiente su primer cortometraje. En 1956 es ayudante de dirección de Roberto Rossellini. Se casa en 1957 con Madeleine Morgenstern, hija de un distribuidor. Ese mismo año dirige Les Mistons ("Los golfillos"). En 1958, rueda Los cuatrocientos golpes, que tendrá un éxito espectacular, y servirá de carta de presentación al mundo del movimiento de la Nouvelle vague, que lidera junto a Chabrol, Rohmer, etc.

Ler más en :

http://www.miradas.net/2005/n35/estudio/articulo1.html

http://es.wikipedia.org/wiki/François_Truffaut

Películas de este director en Cinearte:

1.Farenheit 451.

2-Los cuatrocientos golpes.

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martes, 15 de marzo de 2011

Arturo Ripstein


Arturo Ripstein
Arturo Ripstein y Rosen es un cineasta mexicano nacido en la Ciudad de México; el 13 de diciembre de 1943.
Nació en el seno de una familia judía. Hijo del productor Alfredo Ripstein, comenzó su carrera muy joven como asistente de Luis Buñuel. En 1965 dirigió su primera película Tiempo de morir, escrita por Carlos Fuentes y porGabriel García Márquez. En 1997 Ripstein obtuvo el Premio Nacional de Artes,1 el segundo cineasta (tras Buñuel) en conseguirlo.
Arturo Ripstein comenzó su carrera siendo muy joven. Como hijo del productor Alfredo Ripstein Jr., el joven Arturo se familiarizó desde muy pequeño con las prácticas y ritmos de la cinematografía mexicana. A los quince años presenció el rodaje de Nazarín (1958) y descubrió a Luis Buñuel, con quien desarrolló una estrecha relación maestro-alumno que se mantuvo hasta la muerte del genio aragonés, en 1983.
Leer más en :
Películas de Arturo Ripstein en Cinearte:
Principio y fin
El lugar sin límites
Profundo carmesí
El coronel no tiene quien le escriba
La perdición de los hombres
El castillo de la pureza
El Carnaval de Sodoma
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Federico Fellini

Federico Fellini


Federico Fellini ( Rímini, 20 de enero de 1920 - Roma, 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano.Hay tres momentos en la filmografía de este director: Sus inicios, en constante coqueteo con la corriente neorrealista predominante en el cine italiano de los 40 y 50, y en aras de encontrar un estilo propio que le definiera como creador (de El jeque blanco a Almas sin conciencia pasando por la estupenda Los inútiles (I vitelloni,1953); la resonancia internacional y conquista de las taquillas de todo el mundo, Óscar incluidos (La strada, Las noches de Cabiria, La dolce vita, Julieta de los espíritus, El Satiricón, Casanova y Amarcord); y la época de madurez, marcada por su distanciamiento con la crítica...


Leer más en :


http://es.wikipedia.org/wiki/Federico_Fellini

http://www.epdlp.com/director.php?id=770


Filmes de Fellini en Cinearte:


Roma, ciudad abierta

Ocho y medio

Bocaccio 70 (Episodio "Las tentaciones del Doctor Antonio")


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