Los que hacen del cine un arte

Incluimos datos, fotografías y enlaces a artículos y estudios de directores de cine que por su obra y trayectoria en este arte, forman parte de su historia.

domingo, 11 de diciembre de 2011

Ettore Scola

Ettore Scola (1931), en el rodaje de
Un día Particular.


Director y guionista italiano nacido el 10 de Mayo de 1931 en Trevico. Estudió Derecho en la Universidad de Jurisprudencia de Roma, aunque nunca practicó seriamente su profesión. Trabajó en la tradición de la comedia italiana de la post-guerra, con películas caracterizadas por temas psicológicos y políticos y fue miembro del Partido Comunista Italiano. Vivió en una casa con una familia muy numerosa, muy similar a la que pintó en su película LA FAMILIA (1987). Desde muy joven colaboró con chistes, ilustraciones y artículos a revistas satíricas, para la radio y para guiones de comedias de algunas estrellas italianas como Alberto Sordi y Totò. Su primer trabajo reconocido como guionista data de 1954, colaborando posteriormente con otros guionistas como Ruggero Maccari, Agenore Incrocci, Furio Scarpelli y Rodolfo Sonego, y para directores como Dino Risi y Antonio Pietrangeli. Su debut como director se produjo con la comedia en episodios LET'S TALK ABOUT WOMEN (1964), en la cual Vittorio Gassman se encuentra con nueve tipos diferentes de mujeres. IL COMMISSARIO PEPE (1969) marca un corrimiento del director hacia temas más sustanciales. Luego se destaca con la popular comedia THE PIZZA TRIANGLE (1970), con Mónica Vitti eligiendo entre Marcello Mastroianni y Giancarlo Giannini. En la película épica agridulce NOS HABÍAMOS AMADO TANTO (1974), sobre tres personajes diferentes muy amigos durante la resistencia pero que luego siguen caminos separados, examina a una generación desilusionada (Pensábamos que podíamos cambiar al mundo, pero el mundo nos cambió a nosotros...). Hacia fines de los 1970s trabajó en una serie de películas muy exitosas, entre las que se encuentran DOWN AND DIRTY (1976); UN DIA MUY PARTICULAR (1977), con Sofía Loren y Marcello Mastroianni); y LA TERRAZA (1980). Uno de sus proyectos más ambiciosos fue LA NOCHE DE VARENNES (1982), examinando la Revolución Francesa, juntando fantasiosamente a figuras como Casanova y Thomas Paine. Con la estilista EL BAILE (1982), pinta los cambios de las costumbres en ocho momentos clave de la historia francesa entre 1936 y 1983, sin una sola línea de diálogo: sólo los cambios de vestidos y uniformes, la música, el baile y los tipos de comportamiento cuentan toda la historia. LA FAMILIA (1987), su película más autobiográfica, relata la vida de una familia numerosa a través de cinco generaciones, cubriendo 70 años de historia europea comenzando en la Primera Guerra Mundial, sin moverse nunca de los límites de la casa, reflejando la familia los cambios de la sociedad a través de los años. Filmografía desde entonces Gente de Roma 2003, Director Gente de Roma 2003, Guionista Competencia desleal 2001, Director Competencia desleal 2001, Guionista La cena 1998, Director La cena 1998, Guionista ¿Qué hora es? 1995, Director Historia de un pobre hombre 1995, Director Mario, Maria y Mario 1994, Director Mario, Maria y Mario 1994, Guionista El viaje del capitán Fracassa 1990, Director Splendor 1989, Director Splendor 1989, Guionista.


Filmes de Scola en Cinearte:
Un día particular
Nos habíamos amado tanto.
Competencia desleal

Ken Russel

Ken Russel, 1927-2011


Henry Kenneth Alfred Russell nació en el año 1927, en la ciudad de Southampton, localizada en la región de Hampshire en Inglaterra.
Ken Russell es un conocido director de cine  famoso por haberse convertido en un ícono de la cultura cinematográfica por sus películas con alto contenido erótico.
Se crió en su ciudad natal y, al llegar el tiempo en que debía asistir a la universidad, se enroló dentro del Walthamstow College para posteriormente transferirse al Pangbourne College.
Tiempo más tarde sirvió en la Royal Air Force y en la Merchant Navy.

Una vez hubo terminado con todo su repertorio militar, decidió lanzarse al mundo de la fotografía, pues deseaba tener tranquilidad después de todo lo vivido. Para su fortuna, sus tomas documentales fueron altamente valoradas.
Su primer filme se remonta al año 1962, trabajando con el respaldo de la BBC de Londres, y llevó el título de “Elgar”. Este documental dramático, acerca de la vida del compositor Edward Elgar, fue una de las primeras muestras de su pasión por realizar producciones relacionadas con la música.

En 1970 lanzó al público “Women in Love” (Mujeres Enamoradas) y con ella rompió el tabú del cine por el cual no se mostraba la desnudez completa del hombre en un plano frontal.
La misma fue la tercera película más taquillera del año en todo el Reino Unido.
A esta joya del cine le siguieron muchas otras producciones con temáticas adultas, las cuales fueron enormemente exitosas y, al mismo tiempo, terriblemente controversiales.
Fue por este tiempo que lanzó “The Devils” (Los Demonios), un filme tan duro que la Warner Brothers aún se niega a lanzar sin ser cortada.
Ya para 1986 trabajó con Gabriel Byrne como protagonista de su película “Gothic” (Gótica). La misma muestra un punto de vista bastante mórbido acerca de la escritura de una novela de terror, llevada a cabo por el personaje de Byrne, Lord Byron.
Dos años más tarde, utilizó a Hugh Grant para llevar a la pantalla grande “The Lair of the White Worm” (La Cueva de la Serpiente Blanca), una adaptación de la novela original de Bram Stoker, el autor de "Drácula".
Ya en la década del 90, se dio el lujo de volver a sus controversiales producciones, presentando esta vez “Whore” (Puta).
La protagonista, una prostituta de Los Angeles, narra su historia de vida y los terribles sucesos que puede tener esta profesión.

En el nuevo milenio se alejó totalmente de las pantallas desde el 2002, luego del poco fortuito estreno de “The Fall of the Louse of Usher” (La Caída de la casa Usher).
Recién en el 2007 apareció para internarse dentro de la casa de “Gran Hermano” en Inglaterra.
Fallece en noviembre del 2011.

Película de Russel en Cinearte:

Mujeres enamoradas

jueves, 20 de octubre de 2011

Mike Leigh

Nació en 1943
Mike Leigh es un director y guionista británico. Estudió en la Royal Academic of Dramatic Art, la Camberwell School of Art, en la Central School of Art and Design, y la London International Film School, antes de debutar a finales de los años 60 como director representando y rodando dramas y comedias sociales  en la televisión.

Su inicio en la gran pantalla se produjo con “Bleak Moments” (1972), en donde ejemplificó su usual temática cinematográfica, eminentemente social y urbana con afán de testimonio y sátira, centrando la acción, por lo general, en las vicisitudes reales de familias británicas comunes.
Suele improvisar los guiones con sus propios actores en los rodajes, en especial en la creación de los personajes, a los que todo el conjunto da forma tras varios meses de ensayos.
La película no obtuvo buena respuesta comercial por lo que Leigh prosiguió durante toda la década de los 70 su labor como director teatral y televisivo, realizando telefilms como “Hard Labour” (1973), “Nuts In May” (1976), “Abigail’s Party” (1977), “Meantime” (1984) o “Four Days In July” (1985), antes de volver al cine en la segunda mitad de los años 80 con “Grandes Ambiciones” (1986), sátira por la que Mike Leigh fue premiado en el Festival de Venecia y Ruth Sheen y Edna Doré obtuvieron sendos galardones en los premios del Cine Europeo.

Sus trabajos en la siguiente década, “La Vida Es Dulce” (1990), comedia dramática urbana, “Indefenso” (1993), film por el que Mike Leigh consiguió el premio al mejor director y David Thewlis el de mejor actor en Festival de Cannes, y “Secretos y Mentiras” (1996), confirmaron al autor inglés como uno de los mejores cineastas de su país. Especialmente gracias este último film, que logró cinco nominaciones al premio Oscar, entre ellos la de mejor película, consiguiendo también la Palma de Oro en Cannes, un nuevo galardón para Leigh como mejor director y otro para Brenda Blethyn como mejor actriz.
Más tarde estrenó “Todo o Nada” (2002) y “El Secreto De Vera Drake” (2004), película sobre el aborto por la que Mike Leight fue nominado al Oscar como mejor director y guionista, mientras que Imelda Staunton, galardonada en los premios del Cine Europeo y en Venecia al recibir la Copa Volpi, recibió una candidatura como mejor actriz. La película obtuvo el León de Oro en el citado Festival de Venecia.
En "Un Cuento Sobre La Felicidad" (2008), película con el protagonismo de Sally Hawkins, narraba la historia de una maestra de primaria caracterizada por su optimismo al decidir obtener el permiso de conducir.
En "Another Year" (2010) se centra en un matrimonio feliz que intenta ayudar a su hijo y sus amigos.

Películas de Leigh en Cinearte:

"Mentiras y secretos"
"Un año más"

viernes, 30 de septiembre de 2011

Alberto Isaac


Alberto Isaac(1923-1998)

Fue un cineasta, pintor, caricaturista y nadador olímpico mexicano. Nació el 18 de marzo de 1923 en Coyoacán, Ciudad de México, Distrito Federal, sin embargo toda su infancia la vivió en el estado de Colima. Fue director de 13 cintas, siendo nominado en varias ocasiones a los premios Diosa de Plata y 44 veces a los Ariel, logrando ganar 11. Su documental Olimpíadas en México fue nominada a los Óscares en 1969. Sus últimos años los vivió en el poblado de Comala, donde se dedicó a la pintura y como cartonista en periódicos colimenses y del Distrito Federal hasta que falleció el 9 de enero de 1998. A su muerte, sus restos fueron incinerados y sus cenizas vertidas en el mar del poblado de Cuyutlán, mismo que utilizó como locación para algunas de sus cintas.

En 1965 presenta en el cine Diana de Manzanillo, Colima, su primera película titulada "En este pueblo no hay ladrones" junto al caricaturista Abel Quezada y el artista José Luis Cuevas. Luego de ello, produjo otras películas con las que llegó a figurar en un libro de Beatriz Paredes Rangel entre los 13 mejores directores del cine mexicano. En "El rincón de las vírgenes" produjo una remembranza de la época revolucionaria en el estado de Colima, con episodios en Cuyutlán, Comala y la ciudad de Colima. En Maten a Chinto, reproduce un dramático episodio sucedido en el Hotel Colonial de Manzanillo, cuando el mayordomo Nicolás Rivera se atrinchera en la construcción, entablando combate con la policía e inclúso el Ejército Mexicano. Con su filme "Mujeres insumisas" logra obtener diversos reconocimientos nacionales e internacionales. A Alberto Isaac se le encomendó la producción del documental sobre los Juegos Olímpicos de Moscú 1980. Fue el primer director del Instituto Mexicano de Cinematografía .

Leer más en: 

http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/alberto_isaac.html

Películas de Isaac en Cinearte:

Tívoli
El rincón de las vírgenes
En este pueblo no hay ladrones

domingo, 4 de septiembre de 2011

Alexander Sokúrov

Александр Николаевич Сокуров(1959)

Nació en Siberia en la familia de un oficial.Se graduó en el departamento de Historia de la Universidad Nizhni Nóvgorod en 1974 y comenzó a trabajar en los estudios VGIK .Alexander Sokurov continúa el cine de profundidades poéticas de su compatriota Andrei Tarcovsky. Al gran creador de "Stalker" le dedicó un documental homenaje: "Elegía de Moscú". La celebridad de Sokurov se ha cimentado con "El arca Rusa". Pero otras numerosas obras manifestan su talento narrativo y su percepción de lo singular. Sokurov realizó cortometrajes, largometrajes, películas documentales y de ficción, en 35 mm, y en video como "Voces espirituales"(1995). Entre "Madre e Hijo" (1997) y Moloch (1999), filmó "Una vida humilde", "Confesión" y "La trama"."Y nada más" (1982); y una obra plasmada con la sucesión de los grandes hechos de la segunda guerra mundial organizadas bajo la expresión latina Tertium Num Datur; y otra compilación de imágenes: "Retrospectiva de Leningrado" (1957-1990), de trece horas de duracion. Adaptó a clásicos literarios: en "La voz solitaria de los hombres", recupera a Platonov; en "Dolorosa indiferencia", a Bernard Shaw; en "Páginas ocultas" recrea la imagen de Dostoievski y de otros escritores rusos; en "Salva y protege" se adentra en la literatura de Gustave Flaubert. Se sumerge también en exquisitos retratos introspectivos como el de María Voinova, la campesina rusa de"María (1978-1988)", o una anciana japonesa de "Una vida humilde".
En Sokurov la imagen muchas veces deviene una expresión plástica, pictórica. Ejemplos numerosos de esta pintura cinematográfica afloran en "Madre e hijo", por ejemplo. La recreación de la vida secreta de un cuadro de un pintor holandés del siglo XVI, alojado en el Museo de Utrecht, es parte de una mística ensoñación que acontece en "Elegía de un Viaje". La recuperación de la silenciosa y monumental vida del Museo Hermitage de San Petesburgo colma la única secuencia de "El Arca rusa".

Lea una entrevista a este director en:

Películas de Sokúrov en Cinearte:

Alexandra.
Madre e hijo.

sábado, 27 de agosto de 2011

Raúl Ruiz


Chile 1941- Francia 2011

Todo filme conlleva siempre otro filme secreto,
y para descubrirlo,
basta desarrollar el don de la doble visión que ...
consiste en ver en una cinta no ya la secuencia narrativa que se da a ver efectivamente,
sino el potencial simbólico y narrativo de las imágenes
y de los sonidos aislados del contexto...
Raúl Ruiz




Raúl Ruiz fue una persona contradictoria. Chileno hasta la médula, no tuvo problemas en que lo llamaran Raoul y lo calificaran como cineasta francés. Director de cine, filma largometrajes en 12 días, le encargan documentales y filma ficciones, no termina todo lo que filma, enfureciendo a los productores.

Nacido en Puerto Montt en 1941, hijo de marino mercante, a los quince años ya escribía obras de teatro a un ritmo frenético. A los 21 años ya había escrito cien. En estas historias se perfila ya su estilo corrosivo y lúdico. Luego de trabajar varios años como guionista de televisión, el año 1968 marcó su despegue como cineasta, gracias a su primer largometraje Tres Tristes Tigres. La película narra las desventuras de un grupo de pícaros sin trabajo en torno a los bares San Diego y Mapocho. La obra estuvo lejos de ser éxito de taquilla, pero la crítica la recibió muy bien, incluso obtuvo premios en Europa. Esta disparidad en la recepción será una constante en su filmografía. Militante del Partido Socialista, desarrolló una prolífica obra durante el Gobierno de Salvador Allende. El cine de Ruiz durante la Unidad Popular consistió mayoritariamente en documentales por encargo, pero también en obras de ficción en su estilo irónico, como Palomita Blanca. Por estos años se casó con la cineasta Valeria Sarmiento, que ha sido la editora de sus películas.

El golpe de Estado de 1973 cerró los espacios cinematográficos y Ruiz, como muchos otros, partió al exilio. Se radicó en Francia, donde vive en la actualidad. A los pocos meses de su llegada, realizó quizás su película más chilena: Diálogo de Exiliados, de 1974. Esta obra vino a cerrar un ciclo, pues en adelante Ruiz cambió notoriamente de estilo, dejando de lado lo costumbrista e irónico, optando por narraciones laberínticas con énfasis en los juegos de tiempo y espacio. En cierta forma Raúl Ruiz fue “adoptado” por el sistema cinematográfico francés. El Institut National de l’Audiovisuel le permitió trabajar a sus anchas, filmando decenas de obras, entre las que destacan La Vocación Suspendida en 1977, Coloquio de Perros (premio César a mejor cortometraje argumental en 1979) y La Hipótesis del Cuadro Robado en 1979. La década de 1980 fue la de la consolidación definitiva. En 1982 realizó Las Tres Coronas del Marinero, la que muchos críticos consideran su mejor película. En 1983, la prestigiosa revista Cahiers du Cinéma le dedicó un número especial. En adelante filmó con actores de la talla de Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni.

Terminada la dictadura en Chile, ha regresado periódicamente al país. Él dice “vivo en Chile, pero viajo once meses al año por Europa”. En estos años comenzó a realizar actividades diversas: escribió novelas, tiras cómicas, dictó conferencias en universidades. Afortunadamente, decidió poner sus ideas por escrito en 1995, en su libro de ensayo Poética del Cine. En 1999, realizó quizás su obra más ambiciosa: adaptar a Marcel Proust. El largometraje El Tiempo Recobrado le dio así credencial de cineasta de primer orden, saliendo en cierta manera del circuito de “especialistas” en el que se encontraba. 

Sus últimas películas  :

2007: La recta provincia
2008: Litoral, cuentos del mar
2008: Nucingen Haus
2009: A Closed Book
2010: Misterios de Lisboa


Películas de Raúl Ruiz en Cinearte:

“Tres vidas y una sola muerte”(Francia,1995 con M.Mastroianni, Marisa Paredes...)
"Misterios de Lisboa, Francia, 2010, Festival de San Sebastián, Mejor director)

viernes, 26 de agosto de 2011

Charles Chaplin


Charles Chaplin (1889-1977)


Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.

Los comienzos en Hollywood

A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.


Chaplin en A Night in the Show (Charlot en el teatro)

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.

Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.

También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un genio del cine.


Chaplin en El circo (1927)

Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un millón de dólares al divorciarse de su Lolita.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. Ya en 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo.

Al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.

El patriarca de Vevey

Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.


Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.

Tomado de:http://www.biografiasyvidas.com/monografia/chaplin/

Leer más en :
 http://www.charliechaplin.com/ (Inglés)
http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Chaplin

Películas de Chaplin en Cinearte:

Monsieur Verdoux

martes, 23 de agosto de 2011

Juan José Campanella


Juan José Campanella

Juan José Campanella es un conocido director de cine de origen argentino, famoso por sus películas con fuerte contenido cultural y emotivo.
Juan José Campanella nació el 19 de Julio de 1959 en la ciudad autónoma de Buenos Aires, Argentina.
Desde siempre fue atraído por las artes, por lo que en cuanto pudo terminar la secundaria y recibirse intentó por todos sus medios el viajar para conseguir experiencia.
Esto se debió en parte a que en argentina la capacidad de producción por su tiempo estaba muy limitada al típico humor de revista que desarrollan Alberto Olmedo y “el Gordo” Porcel.
Así, con la cabeza llena de ideas y fantasías terminó en los Estados Unidos donde trabajó desde abajo para poder conseguirse un lugar entre los creativos.
Finalmente pudo trabajar como asistente en “Law and Order: Criminal Intent” una serie policial con un amplio recibimiento en el público.
No obstante, este fue uno de sus primeros trabajos mediatizados, puesto que mucho antes había tenido la posibilidad de realizar algunos mediometrajes no muy comercializados.
El INCAA posee los derechos y los registros de los mismos que son en primer lugar “Prioridad Nacional” filmado y estrenado en 1979. En 1982 filmó “Victoria 932”, pero la misma no fue estrenada por orden específica de los mandos militares que por la época dominaban el país.
A su regreso a la Argentina pudo comenzar a trabajar con algo más de solvencia económica por las productoras que daban sus primeros pasos fuertes en el suelo nacional.
De esta forma nació “El Mismo Amor, la Misma Lluvia”, que tenía como protagonista a Ricardo Darín en el papel de un joven escritor de cuentos románticos.
Luego de conocer a una chica y comenzar una hermosa relación, con el correr de los años ella le pide que empiece a escribir literatura buena y poco a poco las cosas se desgastan.
La película recibió muchos premios de la crítica nacional, como mejor película, mejor actor, mejor montaje, mejor fotografía, mejor actor de reparto y otros más.
El éxito que había venido aparejado con su primer largometraje, vino además con un nuevo guión que ya tenía preparado un par de años después.
Nuevamente el actor elegido para el primer papel fue Ricardo Darín y el título de la obra fue “El Hijo de la Novia”. Tan espectacular fue el filme que hasta llegó a participar de la entrega de Premios de la Academia.
“El Hijo de la Novia” estaba nominada como Mejor película de habla no inglesa, pero terminó perdiendo el galardón contra “No Man’s Land” de Danis Tanovic.
No obstante este pequeño tropezón, Campanella siguió con su iniciativa de pura creatividad y para el 2004 ya tenía listo un nuevo guión que dirigió bajo la producción de Adrián Suar.
“Luna de Avellaneda” trata de un club social y deportivo argentino que tuvo sus años de gloria en la década del ’40. En la actualidad estaba abandonado, hasta que los hijos de los dueños se enteran que desean convertirlo en un casino.
Poco tiempo después de un nuevo éxito cinematográfico, Campanella decidió optar por una salida que ya había experimentado en los Estados Unidos: las series.
Así en el 2006 nació “Vientos de Agua” una tira que marcaba y mostraba de manera muy realista la vida de los inmigrantes europeos en Argentina a comienzos del siglo XIX y la misma situación de inmigrantes argentinos en Europa actualmente.
En el 2009 estrenó con gran éxito "El secreto de sus ojos", película que ha ganado numerosos premios en importantes festivales internacionales como el de Cannes.

Lea más en : http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_José_Campanella
http://www.cinenacional.com/persona/juan-jose-campanella

Películas de Campanella en Cinearte:

El secreto de sus ojos
El hijo de la novia

Use el buscador de Cinearte para localizarlas.


lunes, 8 de agosto de 2011

Martin Scorsese


Martin Scorsese (1942)


Director y productor estadounidense, Scorsese lleva tres décadas cautivando a crítica y público con su particular forma de hacer cine. Su talento como contador de historias y estilista visual le ha dado gran prestigio y un éxito reservado por lo general a cineastas más comerciales.

Martin Scorsese no tuvo una infancia fácil: el asma que sufría le impedía practicar deportes o participar en actividades propias de un niño normal. Así que se refugió en las películas, y de esa forma descubrió su pasión por el séptimo arte. Con el tiempo se matricularía en la escuela de cine de la Universidad de Nueva York, donde dio sus primeros pasos como director de varios cortometrajes.

Trabajó como montador en Hollywood hasta que en 1968 dirigió su primer largometraje, el drama ¿Quién llama a mi puerta?, protagonizado por Harvey Keitel. Más tarde regresó a su Nueva York natal para rodar Malas calles (1973), trabajo que atrajo la atención de la crítica norteamericana e internacional. En este film aparecían ya las marcas de estilo habituales de Scorsese, como el empleo de antihéroes o la obsesión por la religión y el estilo de vida de los gangsters. Con Malas calles, además, estableció su relación con Robert de Niro, uno de los actores habituales en su filmografía.

En los años siguientes, el director fue responsable de varias películas que le revelaron como uno de los nuevos talentos del cine de su país: Alicia ya no vive aquí (1974), su particular respuesta a quienen creían que no podría dirigir un "film de mujeres"; Taxi Driver (1976), una cinta que explora la violencia en la sociedad estadounidense, con Robert De Niro y una adolescente Jodie Foster; Toro salvaje (1980), uno de sus trabajos más ambiciosos, de nuevo con De Niro...

Scorsese ha dirigido más de 25 películas, entre las que se incluyen también New York New York, El color del dinero, La última tentación de Cristo, Uno de los nuestros, La edad de la inocencia, Casino y Gangs of New York. Su trabajo ha sido reconocido con varias nominaciones al Óscar como director y como guionista. También ha ganado diferentes premios en prestigiosos concursos y festivales de todo el mundo. Ganó el Óscar por su película "Los infiltrados".

Por otra parte, Scorsese no ha dudado en apoyar a otros cineastas a través de su faceta de productor. Además, es uno de los fundadores de la Film Foundation, entidad que promueve la restauración de films por parte de archivos y estudios, y posee una compañía dedicada a la restauración y distribución de películas clásicas. 

Leer más en :

http://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Scorsese
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2277.html

Películas de Scorsese en Cinearte:

Taxi driver
Infiltrados


martes, 19 de julio de 2011

Mario Camus


Mario Camus (1935, Santander, Cantabria)


Estudia Derecho y posteriormente estudios de cine en la Escuela Oficial de Cine. Pertenece a la generación del Nuevo Cine Español de la que forman parte, entre otros, Carlos Saura, Basilio Martín Patino, José Luis Borau, Julio Diamante, Miguel Picazo y Manuel Summers.


Es reconocida su maestría en la adaptación de textos literarios al cine, como se comprueba en las películas basadas en obras de Calderón de la Barca y Lope de Vega (La leyenda del alcalde de Zalamea, 1972), Ignacio Aldecoa (Young Sánchez, 1964, Con el viento solano, 1967 y Los pájaros de Baden-Baden, 1975), Pérez Galdós (la serie de televisión Fortunata y Jacinta), Camilo J. Cela (La colmena, 1982), Miguel Delibes (Los santos inocentes, 1984), García Lorca (La casa de Bernarda Alba, 1987).


Junto a un cine más comercial al servicio del cantante Raphael y de Sara Montiel en los años sesenta y obras de género, como el western La cólera del viento (1970) o las historias de amor conflictivo Volver a vivir (1968) y La joven casada (1975), realiza sus películas más personales ya en la década de los noventa, con el análisis del terrorismo de ETA presente en Sombras en una batalla (1993) y La playa de los galgos (2002) y las fábulas críticas con la sociedad capitalista Después del sueño (1992), Adosados (1997) y El color de las nubes (1998). Ha escrito los libros de relatos Un fuego oculto (Madrid, 2003) y Apuntes del natural (Santander, 2007).

Más sobre Camus:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/camus_mario.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Mario_Camus

Películas de Camus en Cinearte:

Los Santos Inocentes
La Colmena

domingo, 17 de julio de 2011

María Luisa Bemberg



María Luisa Bemberg(1922-1995)
María Luisa Bemberg nació en Buenos Aires en una de las familias más ricas y poderosas del país, entre otras cosas propietarios de la Cervecería Quilmes y opositores declarados contra Juan Domingo Perón.Se casó a los 20 años y a los 30 ya estaba divorciada con cuatro hijos. En 1949 comenzó a trabajar como empresaria de espectáculos teatrales y fundó el Teatro del Globo con Catalina Wolff.

Fue feminista activa. Además de ser una de las fundadoras de la Unión Feminista Argentina, María Luisa fue una de las co-fundadoras del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, organizado por mujeres artistas y creadoras. Su cine está profundamente vinculado a la problemática de la mujer. Sus relatos se desarrollan en forma de fábulas, tragedias o parodias, con gran sensibilidad y sentido crítico, ya sea basadas en su vida, la literatura argentina, o la historia.

Escribió la obra teatral La margarita es una flor, que usó como base para el guión de la película Crónica de una señora, (1970), de gran éxito de crítica y público. En 1975 escribió Triángulo de cuatro. En 1972 escribió produjo y dirigió su primer cortometraje El mundo de la mujer y en 1978 el segundo Juguetes. Cuando el gobierno quiso censurar su trabajo decidió ir a estudiar a la academia de actores de Lee Strasberg en Nueva York.
Además de haber sufrido la censura militar, María Luisa se dio cuenta de que ningún hombre se interesaría por la conciencia femenina de la manera y con la profundidad en que ella quería abordarla, y alrededor del año 1980 comenzó su propia empresa de producción junto con Lila Stantic con el nombre de GEA Cinematográfica. También fue muy conciente de que si ella misma no se costeaba sus propios proyectos, nunca podría hacer cine. Con GEA negoció su primera co-producción con España. Escribió varios guiones para largometrajes que llevó al cine, entre ellos Señora de nadie (1982). Con la colaboración de Marcelo Pichón Riviere, escribió el guión de Momentos en 1981. En 1983, escribió y dirigió Camila, basado en la trágica vida de Camila O’ Gorman, en colaboración con Beda D’Ocampo Feijoo y Juan B. Stragnaro. Esta película, producida en 1984, le trajo gran reconocimiento internacional y convirtió a María Luisa en una de las primeras cineastas latinoamericanas de gran éxito. Camila fue nominada al Oscar como mejor film extranjero en 1985.

En 1986 escribió Miss Mary con la colaboración de Jorge Goldenberg: tal vez su historia más íntima que relata algunos aspectos de su vida, su niñez y adolescencia así como la clase social a la que perteneció. En 1990 escribió, junto a Jorge Goldenberg y Antonio Larreta, Yo, la peor de todas, basada en el libro de Octavio Paz sobre la vida de Sor Juana Inés de la Cruz. Dentro de la temática de género que trabajó María Luisa, tanto Camila como Yo la peor de todas fueron inspiradas por biografías de mujeres excepcionales. María Luisa dijo: “Camila pierde su vida como Sor Juana pierde su espíritu, no la queman, pero le queman las alas”.

En 1992 escribió junto a Jorge Goldenberg De eso no se habla basado en el cuento homónimo de Julio Llinás. En 1995 colaboró como intérprete en la película La balada de Donna Helena , dirigida por Fito Paéz . El último guión escrito por María Luisa Bemberg “Un extraño verano” basado en el cuento “El Impostor” de Silvina Ocampo lo comenzó alrededor del año 1994, antes de que se diagnosticara su enfermedad. Al morir “Un extraño verano” pasó a manos del equipo de trabajo que colaboró con la directora, entre los que se destaca Alejandro Maci y Jorge Goldenberg. Filmado en 1997 con el título El impostor y dirigido por Alejandro Maci, obtuvo el Segundo Premio Coral a mejor  película del año, el Premio Coral de Fotografía y el Premio Coral de Dirección artística del Festival de Cine de La Habana.

Filmografía:

Momentos (Argentina) 1980. 89 minutos.
Señora de Nadie (Argentina) 1982. 98 minutos.
Camila (Argentina-España) 1984. 88 minutos.(Nominada al Óscar)
Miss Mary (Argentina) 1986. 100 minutos
Yo la peor de todas (Argentina) 1990. 105 minutos.
De eso no se habla (Argentina-Italia) 1993. 105 minutos. (Premiada en Cannes)

Leer más en :
http://www.lanacion.com.ar/211272-maria-luisa-bemberg-desde-la-camara
http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Luisa_Bemberg

Películas de esta directora en Cinearte:

De eso no se habla




viernes, 15 de julio de 2011

Nikita Mijalkov

Никита Сeргеевич Михалков
(Nikita Sergeyevich Mijalkov)




Mijalkov nació en una familia de distinguidos artistas en 1945. Su bisabuelo fue el gobernador imperial de Yaroslavl, cuya madre era una princesa de Galitzia. El padre de Nikita, Sergei Mijalkov, es más conocido como autor de literatura para niños aunque también escribió la letra del Himno de la Unión Soviética. La madre de Nikita, la poetisa Natalia Konchalovskaya, era la hija del artista vanguardista Pyotr Konchalovsky y nieta de otro pintor sobresaliente, Vasily Surikov. El hermano mayor de Nikita es el director Andrei Konchalovsky, básicamente conocido por su colaboración con Andrei Tarkovsky y sus películas de acción en Hollywood, como Tango y Cash.

Mijalkov estudió interpretación de niño en el Teatro del Arte de Moscú y después en la escuela Schukin del Teatro Vakhtangov. Todavía estudiante, apareció en el film de Georgi Daneliya Ya shagayu po Moskve (Un paseo por Moscú) (1964) y en el film de su hermano Andrei Konchalovsky Dvoryanskoe gnezdo (Hogar de los valientes) (1969). Pronto estuvo en camino de convertirse en una estrella de la escena soviética.
Mientras continuaba su carrera de actor acudió a la escuela de cinematografía del estado donde estudió dirección a las órdenes de Andrei Tarkovsky, maestro de su hermano Andrei Konchalovsky. Dirigió su primer corto en 1968, Vuelvo a casa, y otro en su graduación, Un día tranquilo al final de la guerra en 1970. Mijalkov había aparecido en una veintena de películas, incluyendo la de su hermano Tío Vanya (1972), antes de colaborar en el guión, dirigir e interpretar su primera obra, En casa entre extraños en 1974, un Western Rojo situado en los años 1920 en la guerra civil en Rusia.

Mijalkov estableció su reputación internacional con su segunda obra, Esclavo del amor (1976). Desarrollada en 1917, narraba los esfuerzos de un equipo de rodaje por crear un melodrama mudo en un balneario mientras la revolución rusa explotaba a su alrededor. La película, basada en los últimos días de Vera Kholodnaya, fue aclamada internacionalmente tras su estreno en los EE.UU.
El siguiente film de Mijalkov, Una pieza inacabada para piano (1977) era una adaptación de una obra temprana de Chekhov, Platonov. Fue ganadora del primer premio en el Festival de cine de San Sebastián. En 1978, mientras protagonizaba el épico film de su hermano Siberiada, Mijalkov hizo Cinco tardes, una historia de amor acerca de una pareja separada por la Segunda Guerra Mundial, que se encuentra de nuevo tras 18 años. El siguiente film de Mijalkov, Oblómov (1980), con Oleg Tabakov en el papel principal, estaba basado en la novela de Iván Goncharov acerca de un perezoso joven noble que se niega a dejar su cama. Parientes (1981) es una comedia acerca de una mujer provinciana en Moscú envuelta en los complicados enredos de su parientes. Sin Testigos (1983) sigue la larga conversación nocturna entre una mujer, (Irina Kupchenko) y su ex-marido (Mijail Ulyanov) accidentalmente encerrados en una habitación.
Al inicio de los 80, Mijalkov reasumió su carrera como actor, apareciendo en la popular Estación para dos de Eldar Ryazanov (1982) y en Un romance cruel (1985). En ese periodo también interpretó el papel de Henry Baskerville en la versión soviética de El perro de los Baskerville. También apareció en sus propias películas, como En casa entre extraños, Esclavo del amor, Una pieza inacabada para piano y Quemado por el Sol que ganó el Óscar como mejor película en lengua extranjera. Sus películas han sido nominadas y premiadas en numerosos festivales.

Leer más en :
http://www.hoycinema.com/perfil/Nikita-Mikhalkov.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Nikita_Mijalkov

Películas de este director en Cinearte:

Ojos Negros
Pieza inconclusa para piano mecánico
Quemado por el sol

miércoles, 13 de julio de 2011

Fernando Trueba

Fernando Trueba



Nació en 1955 en Madrid, España.
Es hermano del guionista y productor de cine David Trueba. Estudió en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid; luego se inició como crítico de cine para el periódico El País y para La Guía del Ocio.
Se dio a conocer con su primera película, llamada oportunamente Ópera prima (1980). En 1985 alcanzó la fama con la comedia Sé infiel y no mires con quién protagonizada, entre otros, por Ana Belén, Carmen Maura y Antonio Resines.
En 1988 fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la cual otorga anualmente los Goya.
En 1992 su película Belle Époque fue premiada con 9 premios Goya, a mejor película, mejor director y mejor actriz (Ariadna Gil). En 1993 fue galardonada esta misma con el premio a la mejor película de habla no inglesa de los Óscares estadounidenses.
En el 1994 dirigió Two Much protagonizada por Antonio Banderas y Melanie Griffith.
Es autor del libro Diccionario de cine (1997).
Y en 1998 dirigió La niña de tus ojos, película protagonizada por Penélope Cruz que consiguió 7 Goyas, entre ellos el Goya a la mejor película. (Datos tomados de http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_Trueba)

FILMOGRAFÍA

            •          Chico y Rita (2011) Director
            •          El baile de la victoria (2009) Director, Guionista
            •          Bajo las estrellas (2007) Producción
            •          El milagro de Candeal (2004) Director
            •          El embrujo de Shanghai (2002) Director, Guionista
            •          Calle 54 (2000) Director, Guionista
            •          La niña de tus ojos (1998) Director
            •          Two much (1995) Director, Guionista
            •          Belle epoque (1992) Director, Guionista
            •          El sueño del mono loco (1989) Director, Guionista

Página oficial de Trueba:
http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/trueba/home.htm

Películas de Trueba en Cinearte:

El año de las luces
Sé infiel y no mires con quien
La Belle Èpoque