Jaime Humberto Hermosillo

Jaime Humberto Hermosillo

Nació en Aguascalientes, México, en 1942.

Su primer acercamiento con el séptimo arte se da con el cine norte-americano de los años 40 y 50. A los 14 años, organiza un fichero de pelí­ culas, en el que cataloga las cintas que ha visto. Para realizar Homesick/1965, cinta que carece de sonido, vende su automóvil, El film experimental titulado S.S. Glencairn/1967, lleva el nombre del barco donde ocurre la acción de la película Hombres del mar/The Long Voyage Home/John Ford 1940. Entre otros reconocimientos, Naufra-gio/1977 es acreedora al Ariel por Mejor Dirección y Guión, Las apariencias engañan/1977 obtiene el Ariel por Mejor Guión; María de mi corazón/1979 gana el Primer Premio de la afcae en el Festival Ibérico y Latinoamericano de Biarritz, Francia; el "Village Voice" de Nueva York incluye a Intimidades en un cuarto de baño/1989 entre las 10 mejores cintas exhibidas en ese lugar durante 1990, y La tarea/1990 es premiada con el Cariddi de Plata en el Festival de Cine de Taomina, Italia, y con el Premio Especial del Jurado en los festivales de Moscú, Rusia, y Cartagena, Colombia. Intimidades en un cuarto de baño y La tarea son ejercicios con cámara fija. Esta última, basada en el mediometraje en video ho­ mónimo, con curioso subtítulo: De como la pornografía salvó del tedio y mejoró la economía de la familia Partida. 

Estudia Contaduría Privada en Aguascalientes. A los 17 años se muda a la Ciudad de México para trabajar en un fraccionamiento como contador y con planes de ser dramaturgo. Ingresa a la revista "Cine Avance", donde colabora por tres meses como traductor de textos del "Screen Stories". Abandona la revista para ingresar al cuec. Compra una cámara de 16 mm y dirige los cortos Homesick/1965 y S.S. Glencairn/1967. Ante la falta de un plan de trabajo organizado en la escuela, deserta. Escribe guiones que intenta filmar de manera independiente, entre ellos "Socios para el peligro y la aventura", "Una historia que no debía contarse" y el de Los nuestros/1969. Colabora con el Departamento de Cine del Centro Nacional de Productividad con el corto Mejor uso del agua de riego. Su primer largometraje industrial es La verdadera vocación de Magdalena/1971, film que incluye tomas del concierto de Avándaro y a partir de entonces su carrera avanza entre producciones industriales e independientes, donde destacan El cumpleaños del perro/1974, La pasión según Berenice/1975, Matinée/1976, Naufragio/1977, María de mi corazón/1979, Doña Herlinda y su hijo/1984, La tarea/1990 y La tarea prohibida/1992. Dirige el largometraje en video La tarea/El aprendiz/El aprendiz de pornógrafo/1989, base del posterior largometraje homónimo, y de los cortos Antes del desayuno/1975, inconcluso, Idilio/1978, Un momento de ira/1989, en video, y ¿Por qué nosotros no?/ 1996. Ha ejercido la docencia en el cuec, ciec y en el ccc, y forma parte del grupo «Cine y Crítica». En teatro, Hermosillo monta "Infidencias"/Ignacio Solares y produce "Disturbio'/Arturo Villaseñor. Sus películas se han exhibido en retros­pectivas del moma. En 1998, realiza el videoscript Absence.

Filmografía

1969 Los nuestros

1971 La verdadera vocación 

       de Magdalena

1972 El señor de Osanto

1974 El cumpleaños del perro

1975 La pasión según Berenice

1976 Matinée

1977 Naufragio

1977 Las apariencias engañan

1978 Amor libre

1979 María de mi corazón

1982 Confidencias

1983 El corazón de la noche

1984 Doña Herlinda y su hijo

1987 Clandestino destino

1988 El verano de la señora Forbes

1989 Intimidades en un cuarto de baño  

1989 La tarea / El aprendiz

1990 La tarea

1991 Encuentro inesperado

1992 La tarea prohibida

1996 De noche vienes, Esmeralda

2002 Exxxorcismos.

Películas de Hermosillo en Cinearte:

María de mi corazón

La pasión según Berenice

Intimidades de un cuarto de baño

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick, seguramente un nombre que pocos adolescentes conozcan. Más conocido es entre los mayores. Pero seguramente que a todos nos suena nombres tales como “La Naranja Mecánica” o “El Resplandor”. Dos grandes obras del séptimo arte se podría decir, y ambas dirigidas por el magnifico y excéntrico Stanley, uno de los directores de cine mas relevantes del siglo XX. Este estadounidense nació en Nueva York en 1928, y pronto se aficionó a la fotografía, al jazz y el ajedrez. Demostró ser una persona realmente inteligente y retorcida, como muestran sus películas, pero que nunca llego a ser un gran estudiante. Ya de adolescente trabajó de fotógrafo para una revista de de la época, Look, con lo que fue formando su base para ser director de cine. Pero lo más interesante no es la vida de Kubrick, si no sus películas y su actitud como director de la que pocos saben algo. Si alguno ha visto alguna de sus películas puede haber tenido dos reacciones: haberle parecido una película buena y normal, si es de la primera etapa de Kubrick , o haber visto una buena ración de ultra violencia, insultos, sexo … entonces es alguna de las películas pertenecientes a una etapa mas avanzada del director. Son realmente estas últimas películas las que mas impacto han causado en la sociedad el siglo XX. A Stanley le gustaba usar sus películas como una crítica hacia los problemas que había en la sociedad de su época. La primera de sus polémicas películas fue Teléfono rojo. Volamos hacia Moscú, o con una traducción literal el título seria Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba, lo que ya nos da una idea de lo que esta película trataba. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick rodó esta película, denunciando con un humor negro muy especial la posibilidad de un conflicto atómico en esos años. Después se atrevió con el genero de ciencia ficción produciendo 2001: Una odisea del espacio , película que relata la historia del ser humano, desde sus principios como primate hasta un futuro en el que vivíamos en el espacio (cabe destacar que la película se lanzo un año antes de que el hombre pisara la luna) Lo más interesante fueron los impresionantes efectos especiales que Kubrick consiguió, ya que ese campo no estaba muy estudiado en esos años. También se considera esta película una de las más complicadas de comprender de las que hizo el cineasta, ya que en ella toca muy diversos temas: la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto reflexión, la inteligencia artificial... y encima de los 141 min. de su duración solo durante 40 min. se puede oír un dialogo , una auténtica paranoia para el espectador.

Fue nominado cuatro veces al Óscar como director y sus películas muchas veces en diferentes categorías.

De :http://www.eolapaz.com/indi-cultura/cine-kubric.htm

Leer más en :

http://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kubrick

Películas de Kubrick en Cinearte:

Lolita

Michael Cacoyannis

Μιχάλης Κακογιάννης

Michael Cacoyannis  (n. 11 de junio de 1922) es un prominente cineasta griego-chipriota, mejor conocido por su película de 1964, Zorba el griego, que llevó a Broadway en 1983 en forma de musical. Buena parte de su trabajo tiene origen en los textos clásicos, especialmente en el autor de tragedias griegas Eurípides. Cacoyannis ha sido nominado en cinco oportunidades para el Premio Óscar, un récord para cualquier artista griego.

Nacido en Limassol, Chipre, bajo el nombre Μιχάλης Κακογιάννης (Mikhalis Kakogiannis),1 Cacoyannis fue enviado a Londres para seguir estudios de Derecho; sin embargo, tras producir programas en idioma griego para la BBC durante la Segunda Guerra Mundial,2 Cacoyannis se percató de que su interés estaba en el cine. Así, llegó al teatro Old Vic, donde desarrolló una breve carrera como actor bajo el nombre "Michael Yannis" antes de empezar a trabajar en el cine. Debido a que tuvo problemas para encontrar un trabajo como director de cine en la industria cinematográfica británica, Cacoyannis regresó a Grecia, donde filmó su primera película, titulada Kyriakatiko xypnima (1953).2 Luego, se le ofreció la oportunidad de dirigir a Elizabeth Taylor y Marlon Brando en la película Reflejos de un ojo dorado, pero declinó tal oferta.

Cacoyannis ha trabajado en muchas ocasiones con la actriz griega Irene Papas. En 1971, trabajó con Papas en la película Las troyanas, protagonizada por la leyenda de Hollywood Katharine Hepburn. Cacoyannis fue un amigo cercano de Darryl F. Zanuck y de George Cukor.

(http://es.wikipedia.org/wiki/Michael_Cacoyannis)

Leer más en:

http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=director&stext=Michael+Cacoyannis

http://www.hoycinema.com/perfil/Michael-Cacoyannis.htm

Películas de este director en Cinearte:

Zorba, el griego

Las Troyanas

Michelangelo Antonioni

Michelangelo Antonioni (1912-2007)

Tras colaborar en el guión de "Un pilota ritorna" (1942) de Rossellini y trabajar como ayudante del director Marcel Carné, Antonioni rueda su primer cortometraje, el documental "Gente del Po" (1943-1947). Más tarde, debuta en el largometraje con "Diario di un amor robado (Cronaca di un amore)" (1950), agudo análisis de la crisis de una pareja. Siguen "La signora senza camelie" (1953), dura descripción del mundo del cine, y "Las amigas (Le amiche)" (1955), angustiosa adaptación de la hermosa novela de Pavese "Tra donne sole". En estos trabajos ya se perfilan claramente cuáles serán los temas del director de Ferrara: la dificultad para establecer relaciones auténticas entre las personas, la imposibilidad de comprender la realidad, y el desarraigo de los individuos ante una sociedad neocapitalista, fría y deshumanizada.

En las películas siguientes, Antonioni se aleja de la simple crónica neorrealista, abandona los ambientes burgueses y empieza a narrar el malestar existencial en el mundo proletario. Rueda "El grito (Il grido)" (1957), que describe la trágica historia de un obrero que responde con el suicidio al dolor provocado por el fin de una relación amorosa.

A continuación, Antonioni realiza "La aventura (L' Avventura)" (1960), "La noche (La notte)" (1960), "La eclipse (L'eclisse)" (1962) y "El desierto rojo (Deserto rosso)" (1964), películas con las cuales renueva con ímpetu el cine italiano, tanto en los contenidos como en la forma. Bajo la apariencia de historias policíacas atípicas, sus protagonistas femeninos describen la pérdida, la derrota, el desasosiego; en resumen, todo aquello que el mismo Antonioni define como "incomunicabilità".

Sin embargo, Antonioni no siempre es capaz de controlar la materia que trata, quizás por ser demasiado instintivo o por disponer de una amplia cultura que le impide concentrarse. En cualquier caso, sus películas son desiguales y, al lado de éxitos indiscutibles, como "El grito (Il grido)", su obra más intensa y más lograda, o "La aventura (L'Avventura)", deslumbrante con sus imágenes y pausas, luces y ruidos, Antonioni rueda obras caducas, que repiten los temas y las situaciones anteriores, con diálogos que rozan el ridículo (en este sentido, es famosa la frase "me duelen los cabellos", pronunciada por Monica Vitti en "El desierto rojo (Deserto rosso"). Las películas siguientes, caracterizadas por una belleza aparente y excesivamente vistosa, repiten estos resultados desiguales: "Blow up - Deseo de una mañana de verano (Blow-up)" (1966) se rueda en Londres y narra una peculiar historia llena de símbolos fáciles y anacronismos del Swinging London; "Zabriskie Point" (1970) se rueda en Estados Unidos y representa una curiosa alegoría sobre los jóvenes y la contracultura, vistos por la mirada apocalíptica de un director de tramoya.

Sólo en "El reportero (Professione reporter)" (1975) volvemos a encontrar la antigua maestría de Antonioni, sobre todo, en los siete minutos del estrepitoso plano secuencia conclusivo. En cambio, sus dos películas siguientes son una apostilla repetitiva, un doloroso retorno al lugar del crimen sin que el enigma sea resuelto. Así "El misterio de Oberwald (Il mistero di Oberwald)" (1980) es un fallido experimento sobre el color mientras que "Identificación de una mujer (Identificazione di una donna)" (1982) es un intento de abordar nuevamente el tema de la "incomunicabilità".

Con la perspectiva actual, el cine de Antonioni se nos presenta irremediablemente efímero: sin seguidores que hayan sabido desarrollar los aspectos menos caducos de su lección (como el uso innovador del lenguaje cinematográfico y la lucidez desesperadamente laica de su mirada), su filmografía es solamente el estéril testimonio de una personalidad inconfundible, para el bien y para el mal. Antonioni se mantuvo activo filmando hasta los 91 años.(http://www.italica.rai.it/esp/cinema/biografias/antonioni.htm)

Leer más en :

http://es.wikipedia.org/wiki/Michelangelo_Antonioni

http://www.imdb.com/name/nm0000774/


Películas de Antonioni en Cinearte


El reportero
El Grito

Alejandro González Iñárritu

Alejandro González Iñárritu

Alejandro González Iñárritu
, director mexicano 
Nació: el 15 de Agosto de 1963 
Lugar: México,D.F. 


1984 Alejandro González Iñárritu comenzó su carrera en el mundo del espectáculo trabajando como "DJ" en la estación de radio WFM, en un programa de tres horas de duración y se convierte en director de la estación a los 25 años.

1986 Estudió cinematografía. 1990 A cargo de la producción publicitaria de Televisa, la cadena de televisión más grande de México.En 1991 creó su propia casa de producción de cine: Zeta Films. 1992 Viajó a Estados Unidos a estudiar dirección de cine. En 1995  realizó un cortometraje para Televisa, con Miguel Bosé como actor. 1997 Su campaña publicitaria para WFM fue premiada.

2000 Gran éxito de su primer largo metraje, "Amores perros", una película que ha recibido varios premios en festivales internacionales, como el premio al mejor largo metraje, de la Semaine de la Critique del Festival de Cannes, y una nominación al Oscar.

En el 2002  González Iñárritu participó con Wim Wenders y Ken Loach en un proyecto dedicado a explicar la realidad y el horror de los atentados terroristas del World Trade Center de New York, 11'09''01. 2003 En Hollywood,  dirigió su segundo largo metraje: 21 gramos, con actores de la talla de Sean Penn, Benicio del Toro y Charlotte Gainsbourg. En el 2004 La película 21 gramos  es la película número uno de la temporada en Paris, Francia.

En el 2005 ,  inicia en la preproducción de la cinta "Babel", escrita por Guillermo Arriaga. Contará con Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal y Adriana Barraza. "Babel" se filmara en Marruecos, Japon y Mexico, en español, inglés, japones y arabe. 2006 Alejandro González Iñárritu, con su cinta "Babel" y el Español Pedro Almodóvar, con su cinta "Volver" son los favoritos para conseguir la Palma de Oro en el Festival de Cannes.  Fue seleccionado por el Festival Internacional de cine de Cannes para dirigir parte de un largometraje conmemorativo del 70 aniversario del certamen en el 2007.

Alejandro González Iñárritu bromeó con Arnold Schwarzeneger, al recibir el Globo de Oro a la Mejor Película Dramática por Babel. González Iñárritu dijo "le juro que tengo en regla mis documentos" en referencia a sus medidas sobre migración que han generado polémica en México.

Rodrigo García forma parte del proyecto de los Tres amigos: Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu y Carlos Cuaron para realizar una de las cintas en las que todos estos talentosos cineastas participarán de manera conjunta. La primera película en la lista es Rudo y Cursi, dirigida por Alfonso Cuarón, hermano de Carlos, y protagonizada por Diego Luna y Gael García.

Forma parte de los miembros del jurado del Festival de Cine de Venecia 2007.

Alejandro González Iñárritu y Alfonso Cuarón dan la bienvenida a Gael García como realizador y elogiaron su cinta 'Déficit' en el Festival Internacional de Cine de Morelia. 

Biutiful, la nueva película de Alejandro Gonzalez Iñarritu protagonizada por Javier Bardem (ganador del Oscar por No es país para viejos), cuenta con un selecto reparto de actores internacionales, así como la introducción de nuevos rostros y no-actores, como habitualmente suele hacer el director.

Filmografía:

Biutiful (2010)
Babel (2006) 
21 Gramos (2003) 
11'9''01 (2002) 
Amores perros (2000) 
Por Detrás del dinero (1991)

Leer más sobre este director en :

http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_González_Iñárritu

http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/alejandro_inarritu.html

Sus películas en Cinearte:

Amores Perros

Babel

Juan Carlos Tabío

Juan Carlos Tabío

Nace en La Habana en 1943.

En 1961, comienza a trabajar en el ICAIC como asistente de producción y después como asistente de dirección. En 1963, realiza su primer documental y a partir de ese momento colabora en los guiones de varios filmes importantes de la cinematografía cubana. Entre 1963 y 1980, realiza más de 30 documentales y, en 1983, dirige su primer largometraje de ficción, Se Permuta. Entre 1989 y 1990, se desempeña como profesor de guión y dirección cinematográfica en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños y en la Escuela de Radio, Cine y TV, ambas de Cuba. Ha impartido talleres de guión, dirección y dramaturgia en varios países (México, Costa Rica, Panamá) y sus filmes han obtenido premios nacionales e internacionales.

Fresa y Chocolate es quizás su película más premiada y aclamada:

Premio a la mejor película exhibida en Brasil. Encuesta Periódico O´Globo, Rio de Janeiro, Brasil,1994.

Oso de Plata a la mejor película, Primer Premio del Público, Primera Mención Especial del Jurado Ecuménico. Festival de Cine de Berlín, 1994.

 Premios Panambi a la mejor película latinoamericana, al mejor guión, al mejor trabajo actoral (Jorge Perugorría y Vladimir Cruz), a la mejor banda sonora y premio del público. 5to. Festival de Asunción, Paraguay, 1994.

 Primer Premio Kikito de actuación compartido (Jorge Perugorría y Vladimir Cruz).

 Premio ONDAS. Radio Barcelona, España, 1994.

 Premio del Público, Premio de la Crítica, Premio Kikito a la mejor película, Premio de actuación femenina (Mirta Ibarra). Festival de Gramado, Brasil, 1994.

 Premio del Público y Premio de la Crítica. Festival de Cine Latinoamericano de Paso Norte, Ciudad Juárez, México, 1994.

 Premio Caracol al mejor guión (Senel Paz). Festival de Cine, Radio y TV de la UNEAC, La Habana, 1994.

 Premio Caracol de Artes Escénicas a Mirta Ibarra, Jorge Perugorría y Vladimir Cruz. Festival de Cine, Radio y TV de la UNEAC, La Habana, 1994.

 Filme significativo del año. Selección Anual de la Crítica, La Habana, Cuba, 1994.

 Primer Premio Coral. XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio al mejor guión inédito. XIV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1992.

 Premio Coral de actuación femenina secundaria (Mirta Ibarra). XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio Coral de actuación masculina (Jorge Perugorría). XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio FIPRESCI. XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio Coral de dirección. XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio de la OCIC. XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio de la Popularidad. XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio de Radio Habana Cuba. XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio de El Caimán Barbudo. XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Filme significativo del año. Selección Anual de la Crítica, La Habana, Cuba, 1993.

 Gran Premio del público. II Festival Paso del Norte, México, 1994.

 Premio de la Unión de Círculos de Cine Arci Nova (UCCA). XV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba, 1993.

 Premio a la mejor película, a la mejor actuación protagónica (Jorge Perugorría), a la mejor actuación secundaria (Vladimir Cruz) y a la mejor dirección otorgado por la Asociación de Críticos Cinematográficos de Los Ángeles, California, EE UU, 1995

 Premio a la mejor película extranjera por la Asociación de Cronistas de Cine de Nueva York.

 Premio Goya a la mejor película extranjera de habla hispana otorgado por la Academia de Artes Y Ciencias Cinematográficas de España, 1995.

 Nominada al Premio Oscar a la mejor película extranjera por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, Estados Unidos, 1995.

Leer más en :

http://www.cubacine.cult.cu/realizad/jctabio.html

http://www.havana-cultura.com/INT/ES/cine-cubano/juan-carlos-tabio/director-de-cine.html#/3228

En su filmografía destacan:

El cuerno de la abundancia  [2008]

Aunque estés lejos  [2003]

Lista de espera  [2000]

Guantanamera  [1995]

Fresa y chocolate  [1994]

Películas de Tabío en cinearte:

Guantanamera (Codirección)

Fresa y Chocolate(Codirección)

Lista de espera (Dirección)

Tomás Guitérrez Alea

Tomás Gutiérrez Alea

Gutiérrez Alea, Tomás (La Habana, 1928-1996) Director de cine cubano.

Exponente del nuevo cine cubano, inició su trayectoria como documentalista y en 1962 filmó su primer largometraje de ficción (Las doce sillas).

Los títulos más relevantes de su filmografía, son, entre otros, Una pelea cubana contra los demonios (1971), El camino de la mirra y del incienso (1978), Los sobrevivientes (1979), Hasta cierto punto (1983), Cartas del parque (1988) y Guantanamera (1995) y Fresa y chocolate.(Estas dos últimas en codirección con Juan Carlos Tabío)

Nació en el seno de una familia acomodada de ideología progresista. Tras graduarse en Derecho en la Universidad de la Habana en 1951, estudió cine en el Centro Sperimentale di Cinematographia en Roma, graduándose en 1953. Tuvo una importante influencia del neorrealismo italiano, y grabó su primera película en Roma con su futuro colega cubano Julio García Espinosa, con el que codirigió la película documental El Mégano. Con el triunfo de la Revolución cubana comandada por Fidel Castro en 1959, Gutiérrez Alea, Espinosa, y otros jóvenes cineastas fundaron el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico (ICAIC). Como partidarios convencidos de la Revolución, el ICAIC era un colectivo de cineastas que creía que la película podía ser la forma de arte moderna más importante y el mejor medio para difundir el pensamiento revolucionario entre las masas. La película Esta Tierra Nuestra fue el primer documental realizado tras el triunfo revolucionario. El ICAIC se centró sobre todo en los documentales y los noticieros en sus años iniciales, pero se dedicó eventualmente en la producción de las películas narrativas, incluyendo Historias de la revolución (1960) primera película de ficción del ICAIC, y Doce sillas (1962).

Sus  últimas realizaciones incluyen:

            ▪          La última cena (1976) - Ficción, 120 minutos

            ▪          De cierta manera (1977)

            ▪          Los sobrevivientes (1979) - Ficción, 130 minutos

            ▪          Hasta cierto punto (1983) - Ficción, 88 minutos

            ▪          Cartas del parque (1988) - Ficción, 88 minutos

            ▪          Contigo en la distancia (1991) - Ficción, 27 minutos

            ▪          Fresa y chocolate (1993) - co-dirigida con Juan Carlos Tabío, Ficción, 110 minutos

            ▪          Guantanamera (1995) - co-dirigida con Juan Carlos Tabío, Ficción, 101 minutos

Premios y distinciones:           

Distinción "Por la Cultura Cubana", Ministerio de Cultura, 1981.

Medalla Conmemorativa "Victoria de Playa Girón", Consejo de Estado de la República de Cuba, 1982.

Distinción "Raúl Gómez García", Sindicato de Trabajadores de la Cultura, 1982.

Premio de la Crítica Cubana a su libro Dialéctica del Espectador, 1983.

Réplica del "Machete del General Máximo Gómez", Ministerio de las Fuerzas Armadas      Revolucionarias (MINFAR), 1987.

Ler más en:http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/titon/mainti.htm

Películas de Tomás Gutiérrez Alea en Cinearte:

Guantanamera

La muerte de un burócrata

Fresa y chocolate

                   

Vsevolod Pudovkin

Vsevolod Pudovkin

Vsevolod Illarionovich Pudovkin nació en Penza, Rusia, el 16 de febrero de 1893. Fue un director de cine soviético que desarrolló teorías de montaje muy influyentes. Las obras maestras de Pudovkin son a menudo contrastadas con aquellas de su contemporáneo Sergei Eisenstein, pero mientras que Eisenstein usaba el montaje para glorificar el poder de las masas, Pudovkin prefería concentrarse en el coraje y la resistencia de los individuos.

Como estudiante de ingeniería en la Universidad de Moscú, Pudovkin fue llamado a servicio activo durante la Primera Guerra Mundial, siendo capturado por los alemanes. Después de la guerra, abandonó su actividad profesional y se unió al mundo del cine, primero como escritor, actor y director de arte, y luego como asistente del director Lev Vladimirovich Kuleshov.

Después de probar varias veces en cine propagandístico, debuta como director con el documental “Fiebre del ajedrez” (1925), dirigió en 1926 la que seria considerada como una de las obras maestras del cine mudo: Madre, donde desarrolló varias teorías de montaje que lo harían famoso.

Su primera presentación fue seguida por El Final de San Petersburgo (1927), y Tempestad sobre Asia (también conocida como El heredero de Genghis Khan), títulos que compusieron una trilogía al servicio de la política revolucionaria bolchevique.

En el año 1928, con el advenimiento del cine mudo, Pudovkin, Eisenstein y Alejandrov firmaron el Manifiesto del Sonido, en el cual las posibilidades del sonido son debatidas, y a veces comprendido como un complemento de las imágenes. Estas ideas pudieron llevarse a cabo en sus próximas películas: Un Caso Simple / La Vida es Bella (1932), El Desertor (1933), trabajos que no coincidían con la calidad de sus obras anteriores.

Con una interrupción debido a problemas de salud, Pudovkin regresa al cine en el año 1938, con un ciclo de piezas históricas que no fueron tan exitosas como sus trabajos anteriores: Victoria (1938), Minin y Pozharsky (1939) y General Suvorov (1941).

Con el final de l Segunda Guerra Mundial, bajo la crítica del Partido, regreso a la temática de sus primeras películas. Su último trabajo fue El regreso de Vasili Bortnikov (1952).

Pudovkin aporta también en la teoría. Suyos son los textos “Técnica del cine” y “Actuación para el cine”. En el primero, desarrolla sus ideas y principios en torno al montaje; en el segundo, analiza las teorías de Konstantin Stanislavski.

Leer más en :http://www.epdlp.com/director.php?id=4016

Filmografía parcial:

Madre (1926)

El Final de San Petersburgo (1927)

Tempestad sobre Asia (1928)

Un caso simple (1932)

El Desertor (1933)

General Suvorov (1941)

Los Asesinos están llegando (1942)

En nombre de la Madre Patria (1943)

Almirante Nakhimov (1946)

Tres Encuentros (1948)

Zhukovsky (1950)

El Regreso de Vasili Bortnikov (1952)

Películas de este director en Cinearte:

La madre.

De : http://www.cinematismo.com/biografias/vsevolod-pudovkin/