Fernando Trueba

Fernando Trueba

Nació en 1955 en Madrid, España.

Es hermano del guionista y productor de cine David Trueba. Estudió en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid; luego se inició como crítico de cine para el periódico El País y para La Guía del Ocio.

Se dio a conocer con su primera película, llamada oportunamente Ópera prima (1980). En 1985 alcanzó la fama con la comedia Sé infiel y no mires con quién protagonizada, entre otros, por Ana Belén, Carmen Maura y Antonio Resines.

En 1988 fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la cual otorga anualmente los Goya.

En 1992 su película Belle Époque fue premiada con 9 premios Goya, a mejor película, mejor director y mejor actriz (Ariadna Gil). En 1993 fue galardonada esta misma con el premio a la mejor película de habla no inglesa de los Óscares estadounidenses.

En el 1994 dirigió Two Much protagonizada por Antonio Banderas y Melanie Griffith.

Es autor del libro Diccionario de cine (1997).

Y en 1998 dirigió La niña de tus ojos, película protagonizada por Penélope Cruz que consiguió 7 Goyas, entre ellos el Goya a la mejor película. (Datos tomados de http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_Trueba)

FILMOGRAFÍA

            •          Chico y Rita (2011) Director

            •          El baile de la victoria (2009) Director, Guionista

            •          Bajo las estrellas (2007) Producción

            •          El milagro de Candeal (2004) Director

            •          El embrujo de Shanghai (2002) Director, Guionista

            •          Calle 54 (2000) Director, Guionista

            •          La niña de tus ojos (1998) Director

            •          Two much (1995) Director, Guionista

            •          Belle epoque (1992) Director, Guionista

            •          El sueño del mono loco (1989) Director, Guionista

Página oficial de Trueba:

http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/trueba/home.htm

Películas de Trueba en Cinearte:

El año de las luces
Sé infiel y no mires con quien
La Belle Èpoque

Jean Renoir

Jean Renoir

(París, 1894-Beverly Hills, EE UU, 1979) Director, guionista, productor cinematográfico y escritor francés. Hijo del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir, Jean es uno de los nombres clave del cine francés y universal. Su vocación se despertó a raíz del descubrimiento, en 1924, de la película de Erich von Stroheim Esposas frívolas (1921), cuya impronta será perceptible a lo largo de toda su producción. La fille de l’eau (1924) marcó su debut como realizador, aunque su consagración no llegaría hasta Toni (1935), precedente directo del neorrealismo por su temática social y su interpretación a cargo de actores no profesionales. Le siguieron dos de sus filmes más célebres, La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939), manifiesto pacifista la primera, ingeniosa crítica de la sociedad burguesa la segunda. El estallido de la Segunda Guerra Mundial obligó a Renoir a buscar refugio en Estados Unidos, donde continuó su carrera. De este período datan títulos como Esta tierra es mía (1943) y La mujer en la playa (1946). French can-can (1955) y Comida sobre la hierba (1959) fueron realizados tras su regreso a Francia.

Sus películas, que durante mucho tiempo fueron menospreciadas e incomprendidas, aparecen hoy en día como obras clave dentro del desarrollo de la historia del cine francés entre 1930 y 1950, antes de que se iniciara en Francia la Nouvelle vague. La influencia sobre el cine de François Truffaut es especialmente notable.

Ler más en :

http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Renoir

http://www.hoycinema.com/biografia/Jean-Renoir.htm

Películas de renoir en Cinearte:

French can can
La regla del juego

Susanne Bier

Susanne Bier en la entrega de Óscares 2010

Susanne Bier es una directora, guionista y productora de cine danesa. Nació el 15 de abril de 1960 en Copenhague. Se dio a conocer internacionalmente con películas realizadas bajo los parámetros del movimiento fílmico Dogma 95. (Ver:  http://apuntes.rincondelvago.com/dogma-95.html )

Bier fue una destacada participante del movimiento dogma 95, bajo cuyos postulados realizó películas como Elsker dig for evigt (2002). Más tarde, Susanne realizó el filme Brødre (2004), donde continuaría empleando una estética cercana a la de dogma, pero sin seguir al pie de la letra todas las reglas del movimiento. En 2006, filmó Efter brylluppet (Después de la boda), producción nominada al Óscar como mejor película en lengua extranjera. En el 2007 estrenó su producción Things We Lost in the Fire.

En 2010, dirigió la película Hævnen (Venganza), con la que ganó los premios Globo de Oro 2011 como mejor película en lengua no inglesa y el Óscar de 2010 como mejor película extranjera.

Más sobre Susanne Bier en:

http://www.hoycinema.com/perfil/Susanne-Bier.htm

http://www.noticine.com/internacional/38-internacional/15281-daneses-susanne-bier-vuelve-a-la-comedia-romantica-y-bille-august-al-cine-nordico.html

Películas de Bier en Cinearte:

En un mundo mejor

María Novaro

María Novaro recibe galardones

María Luisa Novaro Peñaloza nace el 11 de septiembre de 1951 en la ciudad de México. Estudió Sociología en la UNAM y descubrió que el cine "era lo suyo" a partir de que colaboró como asesora en el rodaje de varios documentales.

Mientras estudiaba producción de cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM, Novaro filmó varios cortometrajes en super 8 y 16mm y fue asistente de Alberto Cortés en Amor a la vuelta de la esquina (1985), antes de dirigir su primer largometraje. Fue precisamente uno de aquellos cortos, Una isla rodeada de agua (1984), el primero en llamar la atención de la crítica hacia el trabajo de Novaro. En ese ejercicio, acerca de una niña de la costa de Guerrero que emprende un viaje en busca de la madre que un día la abandonó, la directora planteaba los temas esenciales de toda su obra fílmica: La condición femenina en el México contemporáneo y la lucha de la mujer por la supervivencia emocional. Azul celeste (1988), un corto acerca de una mujer embarazada que busca a su marido en la inmensa ciudad de México, fue el punto culminante de la primera etapa de la carrera de Novaro. Lola (1989) se convertiría en el primero de, hasta el momento, cuatro largometrajes: El mayor número de los realizados por mujeres en México.

En películas como Danzón (1991), El jardín del edén (1994) y Sin dejar huella (2000), María Novaro ha logrado establecer, con gran éxito, una empatía hacia el personaje femenino protagonista y reflejar la soledad existencial de la mujer mexicana contemporánea. Esta soledad, que sus personajes viven en carne y hueso, se expande y se puede asumir como la contraparte femenina a la soledad del hombre mexicano, tal como la esbozó Octavio Paz en "El laberinto de la soledad".

                      Sin Miedo (2010)

                      Las buenas hierbas (2008) (sitio oficial)

                      Traducción simultánea, (2006)

                      Sin dejar huella, (2000)

                      Enredando sombras (1998)

                      El jardín del Edén (1994)

                      Otoñal (1993)

                      Danzón (1991)

                      Lola (1989)

                      Azul celeste (1988)

                      Historias de la ciudad (1988)

                      Una isla rodeada de agua (1986)

                      Pervertida (1985)

                      Querida Carmen (1983)

                      7 A.M. (1982)

                      Conmigo la pasaras muy bien (1982)

Mas sobre María Novaro en :

www.lasbuenashierbas.com/index.php?music=1 

http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Novaro

www.eluniversal.mx/notas/775455.html

Películas de Novaro en Cinearte:

Danzón

Luchino Visconti

Luchino Visconti
Nació en Milán, 1906  y falleció en Roma en 1976.

De orígenes aristocráticos, en los años treinta se aficiona al cine y durante una estancia en París, conoce a Jean Renoir y trabaja con él. Debuta como director con "Obsesión (Ossessione)" (1943), adaptación a un ambiente italiano de la novela "El cartero siempre llama dos veces" de James M. Cain. En su primera película, Visconti recupera el talento de dos famosos actores del periodo fascista, Clara Calamai y Massimo Girotti, y los convierte en protagonistas de una historia llena de sensualidad, ambientada en lugares poco comunes. El resultado es una película de rotura, aborrecida por las autoridades, que anuncia una nueva concepción del cine.

En 1943 es arrestado por sus actividades antifascistas y ha de esperar hasta 1948 para rodar "La tierra tiembla (La terra trema)", adaptación de una novela de G. Verga, "Los Malavoglia (I Malavoglia)". Película sobre la historia de una familia, interpretada por actores no profesionales y hablada en siciliano, se caracteriza por una potente plasticidad en la cual el melodrama se une a un sentido aristocrático, no populista, a pesar de sus influencias evidentemente marxistas. Sigue "Bellísima (Bellissima)" (1951) cuya visión del pueblo es gramsciana en el sentido más estricto de la palabra y que representa una feroz crítica del neorrealismo y, a la vez, una superación del mismo.  En cualquier caso, "Bellissima" es una obra fundamental del cine italiano en la cual es posible entrever algunas tenues señales que anuncian el cambio antropológico que se manifestará plenamente durante los años del "boom" y que Pasolini narrará con dolor.

En uno de sus mejores momentos, Visconti rueda "Senso" (1954), una relectura del Risorgimento exenta de hipocresías y un homenaje insuperable al mundo verdiano. "Senso" es una obra maestra indiscutible en la cual la perfección de la puesta en escena (piénsese a la secuencia inicial en el teatro o al veloz y febril desenlace final) se combina con una dirección ejemplar de los actores.

A partir de “Senso”, Luchino Visconti aborda y desnuda en sus filmes su contradictorio y complejo mundo interior. La destrucción del núcleo familiar; la decadencia de una clase social, -la suya-, y la degradación moral serán los ejes básicos de sus tres indiscutibles obras maestras: “Rocco y sus hermanos”; “El Gatopardo” y “Muerte en Venecia”.

El periodo más fértil de la creatividad de Visconti se cierra con "Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli)" (1960), suma y compendio de su arte, expresado en las formas de un melodrama de notables efectos en el cual se narra la desintegración de una familia campesina al llegar a la ciudad. Influido por Mann y Dostoevskij, el director milanés coloca sus trágicos personajes fuera del tiempo y del espacio, entre el mito y la historia, y nos regala imágenes inolvidables entre las cuales destaca la escena del asesinato de Nadia, nueva Carmen, en el Puerto de Hidroaviones.

A partir de entonces, el indiscutible talento de Visconti estará al servicio de películas más o menos académicas, de poca originalidad. Sin embargo, no faltarán obras espléndidas, como "El Gatopardo (Il Gattopardo)" (1963), donde la nostalgia por el pasado y la conciencia ideológica se entrelazan en una narración impecable. Ni faltaran, tampoco, obras de inusual inspiración, como "Ludwig" (1973), una película nocturna y espectral, tenebrosa y turbadora, con lúgubres presagios mortuorios. También  (de 1967) es su filme "El extranjero" una hermosa película de este gran director injustamente olvidada, en la que recrea la novela homónima de Camus y donde Marcelo Mastroiani da una soberbia lección de actuación y que reafirma a Visconti como un gran director de actores.

Hoy se le recuerda como un  inteligentísimo director que hizo cine de buen gusto para un público culto y exigente.

Leer más  en: http://es.wikipedia.org/wiki/Luchino_Visconti

http://www.italica.rai.it/

Películas de Visconti en Cinearte:

Ludwig

El extranjero
Muerte en Venecia
El gatopardo

Jaime Humberto Hermosillo

Jaime Humberto Hermosillo

Nació en Aguascalientes, México, en 1942.

Su primer acercamiento con el séptimo arte se da con el cine norte-americano de los años 40 y 50. A los 14 años, organiza un fichero de pelí­ culas, en el que cataloga las cintas que ha visto. Para realizar Homesick/1965, cinta que carece de sonido, vende su automóvil, El film experimental titulado S.S. Glencairn/1967, lleva el nombre del barco donde ocurre la acción de la película Hombres del mar/The Long Voyage Home/John Ford 1940. Entre otros reconocimientos, Naufra-gio/1977 es acreedora al Ariel por Mejor Dirección y Guión, Las apariencias engañan/1977 obtiene el Ariel por Mejor Guión; María de mi corazón/1979 gana el Primer Premio de la afcae en el Festival Ibérico y Latinoamericano de Biarritz, Francia; el "Village Voice" de Nueva York incluye a Intimidades en un cuarto de baño/1989 entre las 10 mejores cintas exhibidas en ese lugar durante 1990, y La tarea/1990 es premiada con el Cariddi de Plata en el Festival de Cine de Taomina, Italia, y con el Premio Especial del Jurado en los festivales de Moscú, Rusia, y Cartagena, Colombia. Intimidades en un cuarto de baño y La tarea son ejercicios con cámara fija. Esta última, basada en el mediometraje en video ho­ mónimo, con curioso subtítulo: De como la pornografía salvó del tedio y mejoró la economía de la familia Partida. 

Estudia Contaduría Privada en Aguascalientes. A los 17 años se muda a la Ciudad de México para trabajar en un fraccionamiento como contador y con planes de ser dramaturgo. Ingresa a la revista "Cine Avance", donde colabora por tres meses como traductor de textos del "Screen Stories". Abandona la revista para ingresar al cuec. Compra una cámara de 16 mm y dirige los cortos Homesick/1965 y S.S. Glencairn/1967. Ante la falta de un plan de trabajo organizado en la escuela, deserta. Escribe guiones que intenta filmar de manera independiente, entre ellos "Socios para el peligro y la aventura", "Una historia que no debía contarse" y el de Los nuestros/1969. Colabora con el Departamento de Cine del Centro Nacional de Productividad con el corto Mejor uso del agua de riego. Su primer largometraje industrial es La verdadera vocación de Magdalena/1971, film que incluye tomas del concierto de Avándaro y a partir de entonces su carrera avanza entre producciones industriales e independientes, donde destacan El cumpleaños del perro/1974, La pasión según Berenice/1975, Matinée/1976, Naufragio/1977, María de mi corazón/1979, Doña Herlinda y su hijo/1984, La tarea/1990 y La tarea prohibida/1992. Dirige el largometraje en video La tarea/El aprendiz/El aprendiz de pornógrafo/1989, base del posterior largometraje homónimo, y de los cortos Antes del desayuno/1975, inconcluso, Idilio/1978, Un momento de ira/1989, en video, y ¿Por qué nosotros no?/ 1996. Ha ejercido la docencia en el cuec, ciec y en el ccc, y forma parte del grupo «Cine y Crítica». En teatro, Hermosillo monta "Infidencias"/Ignacio Solares y produce "Disturbio'/Arturo Villaseñor. Sus películas se han exhibido en retros­pectivas del moma. En 1998, realiza el videoscript Absence.

Filmografía

1969 Los nuestros

1971 La verdadera vocación 

       de Magdalena

1972 El señor de Osanto

1974 El cumpleaños del perro

1975 La pasión según Berenice

1976 Matinée

1977 Naufragio

1977 Las apariencias engañan

1978 Amor libre

1979 María de mi corazón

1982 Confidencias

1983 El corazón de la noche

1984 Doña Herlinda y su hijo

1987 Clandestino destino

1988 El verano de la señora Forbes

1989 Intimidades en un cuarto de baño  

1989 La tarea / El aprendiz

1990 La tarea

1991 Encuentro inesperado

1992 La tarea prohibida

1996 De noche vienes, Esmeralda

2002 Exxxorcismos.

Películas de Hermosillo en Cinearte:

María de mi corazón

La pasión según Berenice

Intimidades de un cuarto de baño

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick, seguramente un nombre que pocos adolescentes conozcan. Más conocido es entre los mayores. Pero seguramente que a todos nos suena nombres tales como “La Naranja Mecánica” o “El Resplandor”. Dos grandes obras del séptimo arte se podría decir, y ambas dirigidas por el magnifico y excéntrico Stanley, uno de los directores de cine mas relevantes del siglo XX. Este estadounidense nació en Nueva York en 1928, y pronto se aficionó a la fotografía, al jazz y el ajedrez. Demostró ser una persona realmente inteligente y retorcida, como muestran sus películas, pero que nunca llego a ser un gran estudiante. Ya de adolescente trabajó de fotógrafo para una revista de de la época, Look, con lo que fue formando su base para ser director de cine. Pero lo más interesante no es la vida de Kubrick, si no sus películas y su actitud como director de la que pocos saben algo. Si alguno ha visto alguna de sus películas puede haber tenido dos reacciones: haberle parecido una película buena y normal, si es de la primera etapa de Kubrick , o haber visto una buena ración de ultra violencia, insultos, sexo … entonces es alguna de las películas pertenecientes a una etapa mas avanzada del director. Son realmente estas últimas películas las que mas impacto han causado en la sociedad el siglo XX. A Stanley le gustaba usar sus películas como una crítica hacia los problemas que había en la sociedad de su época. La primera de sus polémicas películas fue Teléfono rojo. Volamos hacia Moscú, o con una traducción literal el título seria Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba, lo que ya nos da una idea de lo que esta película trataba. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick rodó esta película, denunciando con un humor negro muy especial la posibilidad de un conflicto atómico en esos años. Después se atrevió con el genero de ciencia ficción produciendo 2001: Una odisea del espacio , película que relata la historia del ser humano, desde sus principios como primate hasta un futuro en el que vivíamos en el espacio (cabe destacar que la película se lanzo un año antes de que el hombre pisara la luna) Lo más interesante fueron los impresionantes efectos especiales que Kubrick consiguió, ya que ese campo no estaba muy estudiado en esos años. También se considera esta película una de las más complicadas de comprender de las que hizo el cineasta, ya que en ella toca muy diversos temas: la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto reflexión, la inteligencia artificial... y encima de los 141 min. de su duración solo durante 40 min. se puede oír un dialogo , una auténtica paranoia para el espectador.

Fue nominado cuatro veces al Óscar como director y sus películas muchas veces en diferentes categorías.

De :http://www.eolapaz.com/indi-cultura/cine-kubric.htm

Leer más en :

http://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kubrick

Películas de Kubrick en Cinearte:

Lolita